Читать книгу Энциклопедия «Искусство». Часть 2. Д-К (с иллюстрациями) - Александр Павлович Горкин - Страница 1

ДАВИ́Д (david) Жак Луи (1748, Париж – 1825, Брюссель), французский живописец, портретист, автор исторических картин; представитель стиля ампир. Сын коммерсанта. В 1766—74 гг. обучался в Королевской академии живописи и скульптуры в Париже у живописца Ж. М. Вьена. Испытал влияние Ф. Буше. В 1775—80 гг. жил в Риме, где изучал античное наследие, произведения мастеров эпохи Возрождения и барокко.

Ж. Л. Давид. «Клятва Горациев». 1784 г. Лувр. Париж

В своих картинах Давид стремился придать сюжетам из античной истории современное, актуальное звучание. Его живописная манера, отличающаяся лаконизмом, чётким рисунком и суровым ритмом, выразительной светотеневой моделировкой, сродни возвышенному языку античной трагедии («Андромаха, оплакивающая Гектора», 1783). Художник наделял своих героев высокими нравственными качествами и несгибаемой силой воли. Согласно эстетике классицизма, мужество исторических персонажей, примеры патриотизма должны были служить образцами для подражания потомкам. Гражданственный пафос с особенной силой выразился в творчестве Давида в период, связанный с событиями Великой французской революции («Клятва Горациев», 1784; «Смерть Сократа», 1787; «Ликторы приносят Бруту тела его сыновей», 1789).

Ж. Л. Давид. «Смерть Марата». 1793 г. Музей современного искусства. Брюссель

Некоторые работы художника напрямую отражали события современной действительности (эскиз неосуществлённой картины «Клятва в зале для игры в мяч», 1791; «Коронование Жозефины», 1805—07). Поразительной силой воздействия на зрителя обладает монументальная и трагичная в своей суровой простоте «Смерть Марата» (1793). Художник проявил себя как талантливый портретист. В его парадных и камерных портретах (врача А. Леруа, 1783; учёного-химика А. Л. Лавуазье с женой, 1788; мадам Рекамье, 1800, и др.), а также «Автопортрете с палитрой» (1794) сочетаются традиции классицизма и рококо. В «Портрете молодого Энгра» (ок. 1798 г.), конном парадном портрете «Наполеон при переходе через Сен-Бернар» (1800) ощущаются веяния романтизма.

Ж. Л. Давид. «Наполеон при переходе через Сен-Бернар». 1800 г. Национальный музей Версаля и Трианонов

Во время французской революции деятельность Давида не ограничивалась областью живописи. Он руководил организацией празднеств, в которых прославлялись идеи Свободы, Равенства и Братства, вносил предложения относительно реформирования Лувра, превращённого в это время в музей, активно участвовал в политической жизни страны: голосовал за казнь короля Людовика XVI, в 1792 г. стал депутатом Конвента. В период правления Наполеона I Давид воспевал императора и величие Французской империи. После восстановления королевской власти художник был вынужден покинуть родину и уехать в Брюссель.

Ж. Л. Давид. «Портрет мадам Трюден». Ок. 1790—91 гг. Лувр

Из мастерской Давида вышли такие крупные живописцы, как А. Гро, Ф. Жерар и Ж. О. Д. Энгр.

ДАДАИ́ЗМ (от франц. dada – конёк, деревянная лошадка; детский лепет), авангардистское литературно-художественное течение. Возникло в 1916 г. в Цюрихе (Швейцария) среди эмигрантов разных национальностей как протест против Первой мировой войны и европейской цивилизации в целом как её первопричины. Название «дада», по довольно противоречивым свидетельствам, было случайно найдено в словаре Ларусс одним из основателей течения румынским поэтом Тристаном Тцарой (настоящее имя Самуил Розеншток). Поэта привлекла неопределённость значения слова в разных языках. Тцара собрал вокруг себя интернациональную группу, в которую вошли его соотечественник литератор, художник, архитектор М. Янко, скульптор, художник и поэт из Эльзаса Ж. Арп, немецкие писатели-эмигранты Г. Балль и Р. Гюльзенбек и др. В 1917—20 гг. выходил журнал «Дада», выдержавший семь изданий.

Обложка журнала «Дада»

Теоретическое оформление течения произошло в 1918 г., когда Тцара опубликовал первый «Манифест Дада», за которым последовало ещё шесть. Дадаисты отказывались от общечеловеческих ценностей – разума, религии, морали, красоты – в пользу свободы: «Мы с лёгкостью издевались надо всем, ничего не было для нас святого, мы всё оплёвывали… мы представляли собой чистый нигилизм, и нашим символом являлось Ничто, Пустота, Дыра». В 1919 г. Тцара вместе со своими единомышленниками перебрался в Париж. Дадаистские группы возникли также в Берлине (Р. Гюльзенбек, Г. Гросс, Р. Хаусманн), Ганновере (К. Швиттерс), Кёльне (Ж. Арп), Голландии (Т. ван Дусбург), Нью-Йорке (М. Дюшан, Ф. Пикабиа, М. Рей). Движение Дада стало не столько направлением в искусстве, сколько интеллектуальным бунтом. Цюрихский клуб «Кабаре Вольтер» устраивал эксцентричные акции антисоциального и антикультурного характера, провоцируя публику на ответную реакцию возмущения. Скандально известная попытка Дюшана выставить писсуар в качестве произведения искусства для экспонирования на Нью-Йоркской выставке 1917 г., перерисовки технических чертежей в полотнах Пикабиа, коллажи Швиттерса и Арпа из случайных предметов стали зримым выражением кризиса европейской культуры первой четверти 20 в. и поисков новых путей в искусстве. Движение просуществовало до 1922 г., после чего дадаизм во Франции слился с сюрреализмом, в Германии – с экспрессионизмом.

М. Дюшан. «Фонтан». 1917 г. Музей искусств. Филадельфия

ДАЛИ́ (dali) Сальвадор (полное имя Сальвадор Фелипе Хасинто Дали-и-Доменик) (1904, Фигерас, Испания – 1989, там же), испанский живописец, график, скульптор, декоратор, ювелир, дизайнер; один из лидеров сюрреализма. Жизнь художника была таким же произведением искусства, как и его творения. Он с юности отличался эксцентричной манерой поведения, читал лекции и выпускал книги, в которых воспевал себя и своё искусство («Дневник одного гения», «Тайная жизнь Сальвадора Дали, написанная им самим» и др.). В 1924—26 гг. Дали учился в Академии Сан-Фернандо в Мадриде, изучал живопись старых мастеров, интересовался современными течениями в живописи («Автопортрет с “Ла Публичитат”», «Венера и моряк»), одновременно создавая работы в манере «магической вещественности» («Девушка, стоящая у окна», 1925). В годы учёбы сблизился с выдающимися деятелями испанской культуры – поэтом Ф. Гарсиа Лоркой и кинорежиссёром-сюрреалистом Л. Бюнюэлем; увлёкся сочинениями австрийского психиатра, создателя теории психоанализа З. Фрейда. Учение Фрейда о роли бессознательного в жизни человека оказало значительное воздействие на сложение творческого метода Дали. Первая персональная выставка художника в Барселоне (1925) была встречена очень благосклонно, а уже в 1926 г. Дали был исключён из Академии за подстрекательство к беспорядкам среди студентов. С 1929 г. жил в Париже, где сблизился с сюрреалистами.

С. Дали. «Искушение св. Антония». 1946 г. Королевский музей изобразительных искусств. Брюссель

С. Дали. «Постоянство памяти». 1931 г. Музей современного искусства. Нью-Йорк

В Париже художник вместе с Бюнюэлем снял фильмы «Андалузский пёс» (1928) и «Золотой век» (1930). Шокирующие кадры из «Андалузского пса» с лезвием, разрезающим глаз человека, придумал именно Дали. Вернувшись в Испанию, художник познакомился с женой поэта Поля Элюара Еленой Дьяконовой, русской по происхождению. В 1934 г. она стала супругой Дали. Гала, как называл её художник, на протяжении всей его жизни оставалась для него возлюбленной, подругой, музой, менеджером. Дали часто изображал её в своих картинах («Градива» и др.).

С. Дали. Брошь «Глаз времени». 1949 г.

С. Дали. «Мягкая конструкция с варёными бобами: Предчувствие гражданской войны». 1936 г. Музей изобразительных искусств. Филадельфия

Видения художника предстают в его полотнах как кошмарная реальность. Свой художественный метод мастер называл «параноидально-критическим» (его обоснование содержится в книге Дали «Видимая женщина», 1920). В картинах, написанных в оптически иллюзорной манере, призванной убедить зрителя в достоверности изображённого, фигуры и предметы растягиваются (мягкие часы в картине «Постоянство памяти», 1931), растворяются, превращаются в другие (два пассажира в «Призрачной повозке», 1933, оказываются башнями далёкого города). С сер. 1930-х гг. Дали создавал сюрреалистические объекты («Телефон-омар», 1936; «Диван-губы», 1936—37, и др.). Его эксцентричные выходки привлекали внимание публики и прессы. На Международной выставке сюрреалистов в Лондоне (1936) художник появился в костюме водолаза, подходящем, по его мнению, для погружения в подсознание. Для выставки в Париже он создал композицию «Дождливое такси»: в машине сидел обнажённый манекен, его тело было покрыто живыми улитками; в салон лилась вода из дыр в крыше. Переживания по поводу гражданской войны в Испании Дали выразил в «Осеннем каннибализме» (1936) и «Мягкой конструкции с варёными бобами: Предчувствие гражданской войны» (1936). Постоянное стремление Дали к мистификациям и публичным скандалам, а также его сочувственное отношение к фашистским режимам вызвали конфликт художника с парижскими сюрреалистами. В 1939 г. Дали вышел из объединения, заявив, что является единственным подлинным сюрреалистом: «Сюрреализм – это я».

С. Дали. «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения». 1944 г. Собрание Тиссен-Борнемиса. Лугано

С. Дали. «Гиперкубическое тело» («Распятие»). 1954 г.

В 1940—48 гг. Дали и Гала жили в США. Среди известных картин этого времени – «Сон, вызванный полётом пчелы вокруг граната, за секунду до пробуждения» (1944). В Америке Дали нажил большое состояние, участвуя в коммерческих проектах, работая в театре, создавая дизайн ювелирных украшений и модной одежды, рекламную продукцию. После возвращения в Испанию (1948) художник всё больше проникался идеями католицизма. Религиозные мотивы, классицистическая композиция, подражание технике старых мастеров характерны для картин 1950-х гг. («Тайная вечеря», 1955; «Открытие Америки, или Мечта Христофора Колумба», 1958—59). С 1970-х гг. художник нередко прибегал к методам, позволяющим как можно убедительнее передать объём (наподобие голографии). В 1974 г. Дали построил Театр-музей Дали в Фигерасе и ещё один музей в Кливленде. В последние годы он часто обращался к фотографии.

С. Дали. «Сон». 1937 г. Частное собрание

С. Дали. «Моя жена, обнажённая, смотрит на собственное тело, ставшее лесенкой, тремя позвонками колонны, небом и архитектурой». 1945 г. Музей современного искусства. Нью-Йорк

Творчество Дали оказало значительное влияние на изобразительное искусство 20 в. Его идеи в области дизайна и рекламы остаются актуальными по сей день.

ДЕГÁ (degas) Эдгар (1834, Париж – 1917, там же), французский живописец, график, скульптор; участник выставок импрессионистов. Сын банкира. Вопреки желанию родителей, посвятил себя живописи. В 1855—56 гг. учился в Школе изящных искусств в Париже, копировал работы прославленных европейских мастеров (Рафаэля, Энгра и др.), в картинах которых его привлекало совершенство рисунка. Рисунок занял значительное место и в творчестве Дега, но линия приобрела у него иное качество. Она не подчёркивает контуры совершенных форм, не акцентирует состояние гармонии и покоя, а помогает передать движение, выразить сложную внутреннюю жизнь героя. Прерывистая и подвижная, она сама воплощает биение жизни. Герои произведений Дега – его современники, обитатели Парижа (балерины, жокеи, модистки, прачки, посетители кафе). Эти качества сближают творчество художника с искусством импрессионистов, с которыми он тесно общался. Дега показывал и праздничную сторону жизни, и её прозаичные будни, ежедневный упорный труд людей, их обыденные занятия. Художник метко подмечал характерные жесты и позы. В любом сюжете, будь то залитая лучами прожекторов сцена, утомительные репетиции танцовщиц, тренировки жокеев, сценки в кафе, утренний туалет женщин, он видел поэзию и красоту («Голубые танцовщицы», ок. 1879 г.; «Прима-балерина на сцене», «Певица в кафе-шантане»; обе – 1878; «Танцовщицы на репетиции», ок. 1881 г.; «Таз», 1886; «Женщина, расчёсывающая волосы», ок. 1895 г.; «Жокеи под дождём», ок. 1881 г.). Дега много работал в технике пастели. Цветовые пятна, то нежные и матовые, то сверкающие и насыщенные, оттеняются рисунком отдельных линий, с помощью которых художник ставит необходимые акценты («Проездка скаковых лошадей», ок. 1880 г.). В 1870– 71 гг. Дега принимал участие в обороне Парижа от прусских войск; простудившись, стал испытывать проблемы со зрением. Отчасти по этой причине с 1880-х гг. он обратился к скульптуре. Герои и темы его скульптурных произведений остались теми же: изображённые в быстром движении танцовщицы и кони, женщины за туалетом. Многие статуэтки носят эскизный характер, отличаясь острой наблюдательностью и непринуждённостью поз.

Э. Дега. «Танцовщица, завязывающая ленту туфельки». 1880 г.

Э. Дега. «Семейство Беллелли». 1860—62 гг. Музей д'Орсэ. Париж

Э. Дега. «Голубые танцовщицы». Пастель. Ок. 1879 г. Государственный музей изобразительных искусств им. А. С. Пушкина. Москва

ДЕИСУ́СНЫЙ ЧИН, см. в ст. Иконостас.

ДЕЙНÉКА Александр Александрович (1899, Курск – 1969, Москва), русский живописец, скульптор, график, монументалист. Учился в Харьковском художественном училище (1915—17), во Вхутемасе (1920—25) у В. А. Фаворского и И. И. Нивинского, тогда же познакомился с В. В. Маяковским и плакатистом Д. С. Моором. Член-учредитель Общества станковистов (ОСТ), член общества «Октябрь», член Российской ассоциации пролетарских художников.

Дейнека – мастер книжной и журнальной графики, которую отличает особая, «плакатная» выразительность. Художественные средства живописи обогатил элементами новых видов искусства: кино, фотографии, плаката. Картины 1920-х гг. тяготеют к монументальным формам, их пространственное и ритмическое построение напоминает об опыте конструктивизма. В полотнах, посвящённых возведению нового мира («Перед спуском в шахту», 1925; «На стройке новых цехов», 1926), Дейнека «монтирует» на плоскости объёмные, взятые крупным планом фигуры людей и ажурное кружево конструкций. Он словно выхватывает фрагменты из панорамы огромной стройки, в которую превратилась вся страна. В «Обороне Петрограда» (1927) две контрастные по ритму и пластике шеренги бойцов и раненых образуют двухъярусную композицию; монохромная цветовая гамма усиливает эмоциональную напряжённость.

В 1930-е гг. картины Дейнеки насыщаются светом и радостью. «Мать» (1932) воссоздаёт образ материнства, исполненный нежности и любви. Художник обращается также к темам спорта и авиации. В «Будущих лётчиках» (1937) фигурки мальчиков, наблюдающих полёт гидроплана, воплощают молодость и мечту о светлом будущем. Великая Отечественная война нашла отражение в полотнах «Окраина Москвы. Ноябрь 1941 г.» (1941), «Оборона Севастополя» (1942). В 1930—50-е гг. Дейнека активно работал как скульптор, писал панно для международных выставок, выполнил мозаики для станций метро «Маяковская» (1938), «Новокузнецкая» (1940—43), мозаичные портреты учёных для нового здания МГУ им. М. В. Ломоносова (1947—53). Преподавал во Вхутеине (1928—30) и др. учебных заведениях. Живопись Дейнеки (особенно периода ОСТа) оказала влияние на творческие поиски художников «сурового стиля».

ДЕКÓР (от лат. decoro – украшаю), система украшения здания (фасада, интерьера) или изделия. Выступая в единстве с их объёмно-пространственной композицией, декор акцентирует конструктивные элементы или, наоборот, зрительно преобразует конструкцию, внося иные масштабные соотношения, ритм, колорит (декор в виде колонн трёх ордеров зрительно облегчает массивную арочную конструкцию Колизея; в барочных зданиях обильная лепнина, прерывистые линии карнизов, собранные в пучки колонны придают живописность гладкой стене).

ДЕКОРАТИ́ВНО-ПРИКЛАДНÓЕ ИСКУ́ССТВО, создание художественных изделий, имеющих практическое назначение (домашняя утварь, посуда, ткани, игрушки, украшения и др.), а также художественная обработка утилитарных предметов (мебели, одежды, оружия и т. д.). Мастера декоративно-прикладного искусства используют самые разнообразные материалы – металл (бронзу, серебро, золото, платину, различные сплавы), дерево, глину, стекло, камень, текстиль (натуральные и искусственные ткани) и др. Изготовление изделий из глины называют керамикой, из драгоценных металлов и камней – ювелирным искусством.

Подвеска с пчёлами. Золото. 16 в. до н. э. Остров Крит. Археологический музей. Ираклион

В процессе создания художественных произведений из металла используются техники литья, ковки, чеканки, гравирования; текстиль украшают вышивкой или набойкой (на ткань накладывают покрытую краской деревянную или медную доску и ударяют по ней специальным молотком, получая отпечаток); деревянные предметы – резьбой, инкрустациями и красочными росписями. Роспись керамической посуды называют вазописью.

Харин. Фигурная ойнохойя в виде женской головы. Кон. 6 в. до н. э. Древняя Греция. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Декоративно-прикладные изделия должны быть прежде всего удобны в использовании и красивы. Они создают предметную среду вокруг человека, воздействуя на его душевное состояние и настроение. Произведения декоративно-прикладного искусства рассчитаны на восприятие и зрением, и осязанием, поэтому выявление красоты фактуры и пластических свойств материала, искусность обработки играют в нём важнейшую роль. В форме вазы, игрушки, предмета мебели, в системе их украшений мастер стремится выявить прозрачность стекла, пластичность глины, теплоту дерева и текстуру его поверхности, твёрдость камня и естественный рисунок его прожилок. При этом форма изделия может быть как абстрактной, так и напоминать цветок, дерево, фигуру человека или животного.

Часы-колесница. Бронза, фарфор. 18 в.

В украшениях широко применяются различные орнаменты. Часто именно декор превращает бытовой предмет в произведение искусства (хохломская чаша простой формы, расписанная яркими узорами по золоту; платье скромного фасона, украшенное вышивкой или кружевами). При этом очень важно, чтобы орнаменты и фигуративные изображения не противоречили форме изделия, а выявляли её. Так, в древнегреческих вазах узорные полосы отделяют тулово (центральную часть) от ножки и горловины, роспись тулова подчёркивает его выпуклость.

П. Беренс. Лампа. 1902 г.

Декоративно-прикладное искусство существует с глубокой древности. Художественные изделия тесно связаны с бытовым укладом и обычаями определённой эпохи, народа или социальной группы (дворян, крестьян и т. д.). Уже первобытные мастера украшали резьбой и узорами посуду, изготавливали примитивные украшения из звериных клыков, раковин и камней. В этих предметах воплотились представления древних людей о красоте, о строении мира и о месте человека в нём. Традиции древнего искусства продолжают жить в фольклоре, в изделиях народных промыслов. В дальнейшем выделяется утварь для исполнения священных обрядов и предметы роскоши, призванные подчеркнуть богатство и властную силу своих владельцев. В этих изделиях использовались редкие, драгоценные материалы и богатый декор. Развитие промышленного производства в 19 в. позволило создавать произведения декоративно-прикладного искусства для массового потребителя. При этом замысел, эскиз росписи, форма для изготовления и т. д. принадлежали крупным мастерам, а готовые изделия тиражировались работниками фабрик и заводов (шпалеры по эскизам известных мастеров, изделия фарфоровых заводов и т. д.). Применение промышленных технологий положило начало искусству дизайна.

Ч. Макинтош. Стул. 1900 г.

ДЕЛАКРУÁ (delacroix) Эжен (1798, Сен-Морис, близ Парижа – 1863, Париж), французский художник, один из самых ярких представителей романтизма. Родился в семье министра правительства Директории, получил классическое образование в Императорском лицее. Возможно, настоящим его отцом был знаменитый дипломат наполеоновской эпохи Талейран, который неизменно ему покровительствовал. Оставшись в 16 лет сиротой, Делакруа поступил в мастерскую П. Н. Герена, а затем в Школу изящных искусств (1817). Из современников художник высоко ценил Дж. Констебла, А. Гро, но считал себя последователем Т. Жерико. Первая картина, доставившая ему известность, – «Ладья Данте» (1822), написанная на сюжет «Божественной комедии», поразила современников страстной патетикой, мощью сумрачного света. На тему трагедии Дж. Н. Г. Байрона создано огромное полотно «Смерть Сарданапала» (1827), в котором изображён ассирийский правитель, повелевший сжечь себя на костре вместе с прекрасными рабынями. Влечение к могучим страстям – отличительная черта живописи Делакруа. Художника волновали события современной истории. Борьбе греков за национальную независимость посвящены картины «Резня на острове Хиос» и «Греция на развалинах Миссолунги» (обе – 1826). Сюжет картины «Свобода, ведущая народ» (1830—31) навеян революционным восстанием в Париже в июле 1830 г. В образе прекрасной женщины, олицетворяющей Свободу, художник нашёл пластическую формулу революционной Франции. Во время путешествия в Англию Делакруа был потрясён трагедиями Шекспира и в течение всей дальнейшей жизни обращался к сюжетам и персонажам великого драматурга («Гамлет», 1839; «Смерть Офелии», 1844; «Дездемона, проклинаемая отцом», 1852, и др.).

Э. Делакруа. «Львиная охота в Марокко». 1854 г. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

В 1830-х гг. Делакруа посетил Марокко, открыв для себя влекущий мир Арабского Востока, которому посвятил множество картин и зарисовок. В «Алжирских женщинах» (1833—34) перед европейским зрителем впервые предстал мир мусульманского гарема. Художник создал также серию портретов представителей творческой интеллигенции, многие из которых были его друзьями (портреты Н. Паганини, Ф. Шопена, Г. Берлиоза и др.).

Э. Делакруа. «Ладья Данте». 1822 г. Лувр. Париж

В поздний период творчества художник исполнил несколько монументальных росписей: центральный плафон в галерее Аполлона в Лувре (1850); две грандиозные композиции в церкви Сен-Сюльпис в Париже (1861) – «Изгнание Илиодора из храма» и «Битва Иакова с ангелом». В последние годы жизни, в период господства реалистического направления во французской живописи, Делакруа по-прежнему оставался верен романтизму. В «Охоте на львов» (1854) тела зверей и людей извиваются, подобно языкам пламени, сплетаясь в смертельной схватке.

Э. Делакруа. «Свобода, ведущая народ». 1830—31 гг. Лувр. Париж

Художник был всесторонне одарён, обладал музыкальным и литературным талантом. Его дневники, статьи о художниках – интереснейшие документы эпохи. Его теоретические исследования законов цвета оказали огромное влияние на будущих импрессионистов и особенно на В. Ван Гога. Влияние Делакруа вышло далеко за пределы романтизма, оно ощутимо во всей французской живописи 19 в.

ДЕСЮДЕПÓРТ (франц. dessus de porte, буквально – над дверью), декоративное панно, расположенное над дверью (чаще всего живописное, реже скульптурное). Обрамление десюдепорта связывает его с общим лепным или резным деревянным оформлением дверного проёма. Десюдепорты широко применялись в отделке дворцовых интерьеров в Европе в 17–18 вв., в России – в 18 в.

А. Ринальди. Китайский дворец. Интерьер. Государственный музей-заповедник Ораниенбаум. Ломоносов

Справа: Десюдепорт в зале Китайского дворца. Государственный музей-заповедник Ораниенбаум. Ломоносов

ДЖОКÓНДА, см. в ст.Леонардо да Винчи.

ДЖОРДЖÓНЕ (giorgione) (настоящее имя Джорджо Барбарелли да Кастельфранко) (1476 или 1477, Кастельфранко, близ Венеции – 1510, Венеция), итальянский живописец эпохи Высокого Возрождения. В юности приехал в Венецию, где, по всей вероятности, учился у Джованни Беллини. Был близок к кругу венецианских гуманистов. Славился также как певец и музыкант. В 1507—08 гг. участвовал в украшении Дворца дожей, расписывал фресками Немецкое подворье в Венеции (сохранился фрагмент с изображением женской фигуры). Искусство Джорджоне обогатило венецианскую живопись новым пониманием проблем композиции, цвета и живописной фактуры, расширило круг её сюжетов.

Джорджоне. «Спящая Венера». 1509—10 гг. Картинная галерея. Дрезден

Творческая деятельность художника продолжалась всего 10–12 лет. Не сохранилось ни одной подписанной картины Джорджоне; некоторые из его произведений известны только по копиям и гравюрам. Кисти художника предположительно приписывают такие произведения, как: «Мадонна да Кастельфранко» (ок. 1504—05 гг.); «Женский портрет» (т. н. «Лаура», 1506); «Портрет юноши», «Гроза», «Три философа» (все – 1505—06); «Спящая Венера», «Сельский концерт» (1509—10; некоторые историки искусства считают его работой Тициана), и др. Ранние произведения, исполненные до 1506 г., пронизаны поэтическим, созерцательным чувством. Природа в них – не фон для действия, а одушевлённое, живое существо. Джорджоне одним из первых в Венеции стал писать картины масляными красками, которые позволяли добиваться чистоты цвета и мягкого перехода тонов. Около 1505—06 гг. художник создал один из своих шедевров – «Юдифь». Юная и прекрасная девушка пробралась во вражеский лагерь и отрубила голову полководцу Олоферну, спасая свой народ. Она стоит в задумчивости, опираясь на меч, её нога попирает голову поверженного врага. Внимание зрителя привлекают не меч, не отрубленная голова Олоферна, а прежде всего фигура девушки с печально опущенными глазами на фоне предрассветного неба. В прозрачных голубых красках далёкого туманного гористого пейзажа ощущается утренний холодок.

Джорджоне. «Юдифь». Ок. 1505—06 гг. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

Скрытое дыхание жизни, пронизывающее полотна художника, органичность изображаемой природы соединяются в зрелых произведениях Джорджоне с утончённостью эмоциональной атмосферы и сложным, ассоциативным характером сюжетного замысла, что придаёт его работам черты загадочности, недосказанности. В «Грозе» на небе клубятся тёмные тучи, сверкают молнии. На переднем плане на берегу ручья молодая женщина кормит ребёнка. Задумчиво стоит юноша, опираясь на свой посох. Взволнованный, тревожный пейзаж выражает чувства не столько персонажей, сколько самого художника. Считается, что начало пейзажному жанру в итальянской живописи было положено именно этой картиной. Лиричностью проникнуты созданные Джорджоне портреты.

Джорджоне. «Гроза». 1505—06 гг. Галерея Академии. Венеция

Главная тема поздних произведений («Спящая Венера», «Сельский концерт») – гармоничное единство человека и природы. Сохраняя ясность объёма, чистоту и выразительность контуров, художник с помощью мягкой прозрачной светотени добился органического слияния человеческой фигуры с пейзажем.

Джорджоне скончался в раннем возрасте, согласно легенде заразившись чумой от своей возлюбленной. Его творчество оказало определяющее влияние на венецианскую живопись 16 в. и положило начало периоду её яркого расцвета. Достижения Джорджоне были восприняты многими современниками художника (Джованни Беллини, Себастьяно дель Пьомбо, Я. Пальмой Старшим) и получили дальнейшее развитие в творчестве его гениального ученика Тициана.

ДЖÓТТОДИ БОНДÓНЕ (giotto di bondone) (1266 или 1267, Колле-ди-Веспиньяно (?), Италия – 1337, Флоренция), итальянский живописец эпохи Проторенессанса (Предвозрождения). Вероятно, учился в мастерской знаменитого флорентинского мастера Чимабуэ (1280—90). Работал главным образом в Падуе и Флоренции. Пользовался широким признанием среди своих современников. В начале 1300-х гг. посетил Рим. С 1334 г. руководил строительством собора Санта-Мария дель Фьоре и городских укреплений во Флоренции.

Джотто ди Бондоне. «Оплакивание Христа». Фреска. 1304—06 гг. Капелла дель Арена (Скровеньи). Падуя

С именем Джотто связан переворот в развитии итальянской живописи. Смело порвав со средневековыми художественными канонами, Джотто внёс в религиозные сюжеты земное начало. Сцены евангельских легенд он изображал с жизненной убедительностью, превращая их в исполненное драматизма увлекательное повествование. К числу ранних работ Джотто относятся некоторые из фресок Верхней церкви Сан-Франческо в Ассизи (между 1290 и 1299 г.). В 1304—06 гг. художник расписал стены капеллы Скровеньи (капеллы дель Арена) в Падуе. Расположенные на стенах капеллы в три яруса, росписи воссоздают историю жизни Богоматери и Христа. Каждая из представленных сцен, заключённая в орнаментальную «раму», превращалась в подобие картины, в которой соблюдалось единство времени и места. Персонажи наделены сдержанностью и благородством. Массивные, величественные объёмы фигур, скупо намеченное пространство, пластическая и эмоциональная выразительность жестов, светлый, праздничный колорит сделали росписи выдающимся произведением проторенессансной живописи в Италии. В 1300—02 гг. художник выполнил росписи в церкви Бадия во Флоренции, фрагменты которых были обнаружены в процессе реставрации 1966 г., а также ряд алтарных образов, среди которых наиболее известна «Мадонна во славе» (1310—20). Сохраняя традиционную композицию, идущую из византийской живописи, Джотто достиг большей убедительности пространственного построения, монументальности и внутренней значительности образа. К позднему периоду творчества художника относятся росписи капелл Перуцци (ок. 1320 г.) и Барди (1320—25) во флорентийской церкви Санта-Кроче со сценами жития святых Иоанна Крестителя, Иоанна Евангелиста, Франциска Ассизского. Их отличают монументальность, величие и торжественность, лаконизм композиции, сдержанность красочной гаммы.

Джотто ди Бондоне. «Поцелуй Иуды». Фреска. 1304—06 гг. Капелла дель Арена (Скровеньи). Падуя. Фрагмент

Джотто проявил себя также в качестве архитектора, создав проект кампанилы (колокольни) Флорентийского собора (строительство начато в 1334 г., продолжено в 1337—43 гг. Андреа Пизано, завершено ок. 1359 г. Ф. Таленти). Сохранив готический декор, художник придал архитектурным объёмам спокойную ясность, а частям здания – ритмическую соразмерность. Творчество Джотто оказало огромное влияние на развитие итальянского искусства, которое ощутимо в работах его учеников, а также в произведениях мастеров 15 в. (Мазаччо, Андреа Кастаньо и др.).

Джотто ди Бондоне. «Благовещение Анне». Фреска. 1304—06 гг. Капелла дель Арена (Скровеньи). Падуя

ДИЗÁЙН, художественное проектирование промышленных изделий, учитывающее форму, материал и назначение предмета. Деятельность дизайнера направлена на создание органичной человеку предметно-пространственной среды. Современный дизайн является областью, где объединяются новейшие достижения науки, техники, гуманитарных знаний и художественно-эстетическая сфера; используются данные эргономики (науки, изучающей психофизиологические и функциональные особенности человека), экономики, экологии. Дизайнер руководствуется принципом функциональности форм, использует современные материалы и технологии, учитывает тенденции моды.

Г. Гимар. Вход в метро. 1900 г. Париж

Область применения дизайна охватывает все виды человеческой жизни и деятельности: орудия труда и механизмы, предметы быта (посуда, бытовые приборы, аудио– и видеоаппаратура, мебель), одежду, книги и рекламную продукцию, оформление жизненного пространства человека – жилых интерьеров и садово-парковых зон (ландшафтный дизайн). Современные технологии вызвали к жизни компьютерный дизайн. Подобно произведениям «высокой моды», в художественном проектировании создаются уникальные авторские произведения «дизайна как искусства» (арт-дизайн).

Л. С. Попова. Эскизы платья. 1923–24 гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Появление дизайна в кон. 19 в. связано с промышленной революцией, развитием массового производства. Его истоки – в практике английского «Движения искусств и ремёсел», связанного с именем У. Морриса. В нач. 20 в. возникают фирменные стили немецкой электротехнической компании «АЕГ» и американской «Форд моторс». Первые крупные дизайнерские школы – Вхутемас в России и германский «Баухауз». Для отечественного дизайна важен был опыт «производственного искусства» 1920—х гг.; на европейский дизайн первой пол. 20 в. большое влияние оказали теоретические разработки и практика функционализма. В сфере дизайна работали крупные архитекторы – Ф. Л. Райт; один из основоположников дизайна, создатель «фирменного стиля» компании «АЕГ» Петер Беренс; основатель «Баухауза» Вальтер Гропиус и др. Экономический кризис 1929 г. привёл к появлению в Америке «индустрии дизайна». Благодаря новым материалам и технологиям появляются обтекаемые формы промышленных изделий. После Второй мировой войны лидером в области дизайна стала Италия, где склонность к авангардным формам сочеталась с классическими культурными традициями. В мебельной промышленности, благодаря новым методам обработки пластмасс, возникают образцы яркой пластиковой мебели. Получает развитие идея фирменного стиля; крупные предприятия («Фиат», «Оливетти») сотрудничают с известными мастерами. Немецкие дизайнеры вновь обращаются к опыту функционализма, «Баухауза». Функциональность сочетается с эстетической простотой изделий (стиль фирмы «Браун»). В жилой среде используются новейшие материалы, сборные элементы, промышленное оборудование (направление «хайтек»).

Ч. Макинтош. Стул. 1896—97 гг.

В СССР в 1962 г. был организован ВНИИТЭ (Всесоюзный научно-исследовательский институт технической эстетики). На предприятиях создавались художественные лаборатории, открывались кафедры художественного конструирования в вузах. 1970-е гг. – время создания концептуальных проектов, решавших проблему синтеза предметной среды и архитектуры.

В кон. 20 – нач. 21 в. в связи с распространением компьютерных технологий получил развитие веб-дизайн – проектирование и оформление виртуальных страниц сайтов в Интернете, включающее элементы анимации. Широко востребованы также дизайн интерьеров жилых и общественных зданий, ландшафтный дизайн. Дизайнеров готовят ведущие художественные и строительные вузы; создаются специализированные студии и бюро и авторские школы дизайна.

ДИОНИ́СИЙ (ок. 1440 – после 1503), русский иконописец, мастер фрески; представитель московской школы живописи, продолжатель традиций Андрея Рублёва. Предположительно, учился в мастерской при московском Симоновом монастыре под руководством старца Митрофана, совместно с которым расписал собор Рождества Богородицы в Пафнутьево-Боровском монастыре (между 1467 и 1476 г.). Искусство Дионисия формировалось в столичной учёной «книжной» среде. Творчество иконописца было высоко оценено современниками, в том числе Иваном III. Мастеру заказывали работы архиепископ Ростовский Вассиан Рыло, духовник Ивана III (иконостас Успенского собора Московского Кремля, 1481); архиепископ Иоасаф Оболенский (росписи собора Ферапонтова монастыря, 1502—03); богослов Иосиф Волоцкий (росписи и иконы Иосифо-Волоколамского монастыря, после 1485 г.). В кругу этих крупных церковных деятелей разрабатывалось представление о государстве как о некоем идеальном организме, где царствуют духовные ценности, нестяжательство и красота.

Дионисий. «Распятие». Икона. Ок. 1500 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

Иконы Дионисия, сияющие светлыми, торжественнымибелыми, золотыми, красными красками, пронизаны ликующей радостью. Даже «Распятие» (ок. 1500 г.) не передаёт трагедию умирающего на кресте Спасителя, а утверждает победу жизни над смертью. Житийные иконы мастера и его учеников давали зримые образы человеческой жизни как пути духовного совершенствования («Митрополит Пётр с житием», «Митрополит Алексий с житием»; обе – ок. 1481 г.). Фигуры московских митрополитов возвышаются посреди преображённого их трудами и молитвами благостного и несуетного мира. Прославление именно отечественных святых подвижников и основателей монастырей («Прп. Кирилл Белозерский», рубеж 15–16 вв.) отвечало идее укрепления русской церкви и русской государственности. В житийных сценах представлены не только сотворённые ими чудеса, но и деяния во благо государства, переговоры с князьями, поездки в Орду, возведение соборов. В фигурах митрополитов мастер подчёркивает «ангелоподобность», удлиняя их пропорции, замедляя ритм движений. Невесомые, почти бесплотные фигуры, словно парят в светозарных сферах.

Дионисий. Фрески Ферапонтова монастыря. 1502—03 гг. Вологодская область

Вершина творчества Дионисия – выполненные им совместно с сыновьями росписи собора Рождества Богородицы Ферапонтова монастыря в Вологодской области. Чудом сохранившиеся почти в полной неприкосновенности фрески погружают вошедшего в храм в атмосферу небесного праздника. Среди сюжетов, посвящённых земному пути и прославлению Богородицы, нет главных и второстепенных; все детали, подобно голосам в хоре, звучат в ликующе-радостном созвучии. В красочной гамме фресок царствует синий – цвет Богородицы и горнего, небесного мира. Удлинённые фигуры, погружённые в глубокую синеву, вырваны из плена земного притяжения; все линии, силуэты, движения устремлены ввысь. Каждая сцена – торжественное, возвышенное, полностью очищенное от обыденности действо. Сюжеты разворачиваются на стенах по мере движения вошедшего в храм от входа к алтарю, от «Страшного суда» в западной части до композиций, звучащих радостным гимном Богородице («Покров», «О Тебе радуется», «Собор Богоматери»), в светлом подкупольном пространстве.

Дионисий. «Св. Пётр Митрополит с житием». Икона. Ок. 1481 г. Успенский собор Московского Кремля

После 1503 г. сведения о жизни и творчестве мастера отсутствуют.

ДИ́ПТИХ, см. в ст. Полиптих.

ДОБУЖИ́НСКИЙ Мстислав Валерианович (1875, Новгород – 1957, Нью-Йорк), русский график и театральный декоратор. Участник художественного объединения «Мир искусства» (с 1902 г.). Родился в семье офицера. Учился в Рисовальной школе Общества поощрения художеств (1884–85) в Санкт-Петербурге, в художественной школе в Мюнхене у А. Ажбе (1899–1901) и в Надьбанье (Венгрия) у Ш. Холлоши; в 1901 г. изучал искусство гравирования под руководством В. В. Матэ.

К. А. Сомов. Портрет М. В. Добужинского. 1910 г. Государственная Третьяковская галерея. Москва

В творчестве Добужинского особое место занимает Санкт-Петербург. В отличие от других мирискусников, художник воссоздаёт не его парадный блеск и славное историческое прошлое, а образ современного города, безлюдного и бездушного; дворы-колодцы и зловещие закоулки («Домик в Петербурге», «Старый домик»; оба – 1905; «Человек в очках», 1905—06; «Окно парикмахерской», 1906; «Гримасы города», 1908; серия «Городские сны», 1900—10). Городские пейзажи пронизаны тревожными предчувствиями, подчас трагической безысходностью.

Добужинский плодотворно работал в области книжной и журнальной графики, оформляя юмористические и сатирические издания («Шут», 1902; «Жупел», 1905–1906; «Адская почта», 1906), а в 1900—10-х гг. – авторитетные литературно-художественные альманахи («Мир искусства», «Золотое руно», «Аполлон»). Стильные и изысканные обложки, иллюстрации и виньетки художника, созданные в аскетически-строгой чёрно-белой гамме, во многом определили облик этих журналов. Добужинский прославился как тонкий и проникновенный интерпретатор литературных произведений (иллюстрации к «Казначейше» М. Ю. Лермонтова, 1913; «Белым ночам» Ф. М. Достоевского, 1923; «Трём толстякам» Ю. К. Олеши, 1928, и др.). Блестяще владея мастерством создания лаконичных эмблем, разработал множество экслибрисов (книжных знаков), почтовых открыток и марок.

Добужинский был также выдающимся театральным декоратором, работал как художник кино. Особую известность приобрело оформление спектакля Московского художественного театра по пьесе И. С. Тургенева «Месяц в деревне» (1909). Позднее сотрудничал с антрепризой С. П. Дягилева, ленинградским Большим драматическим театром. В 1924 г. покинул Россию; жил и работал в Литве, Франции, Англии, США. Написал книгу мемуаров (опубликована в Нью-Йорке в 1976 г., в Москве в 1987 г.).

Драматические урбанистические мотивы Добужинского предвосхитили поиски футуристов и экспрессионистов. Его декорации и костюмы явились промежуточным звеном между модерном и авангардом в театрально-декорационном искусстве.

ДОМЬÉ (daumier) Оноре Викторьен (1808, Марсель – 1879, Вальмондуа, близ Парижа), французский живописец, график и скульптор. Сын стекольщика. С 1814 г. жил в Париже. Брал уроки рисования у художника А. Ленуара, работал в мастерской Э. Будена, копировал живопись и изучал античную скульптуру в Лувре, обучался искусству литографии.

О. В. Домье. «Прачка». 1860-е гг. Лувр. Париж

Домьебыл блестящим мастером журнальной политической карикатуры. В 1830 г. он начал создавать сатирические рисунки для журналов, издававшихся Шарлем Филипоном: сначала для либерального «Карикатюр», а после его закрытия (1835) – для «Шаривари». Объектами беспощадной сатиры художника становились врачи и политики, адвокаты и судьи (серии литографий «Парижские типы», 1839—40; «Супружеские нравы», 1839—42; «Добрые буржуа», 1846—49) и даже король Луи Филипп, за карикатуру на которого («Гаргантюа», 1831) Домье был арестован и провёл полгода в тюрьме. Обладая острой наблюдательностью, художник по памяти лепил из глины в мастерской фигурки встреченных им людей. Впоследствии эти карикатурные статуэтки служили «моделями» для его литографий. Ежедневная работа над сатирическими рисунками позволила художнику достичь виртуозного мастерства линии, создавать ёмкие гротескные формы, в которых смешное соединялось с трагическим.

О. В. Домье. «Вагон третьего класса». Ок. 1863—65 гг. Метрополитен-музей. Нью-Йорк

Домье делал также рисунки для «репортажных» литографий на злободневные сюжеты («Улица Транснонен, 15 апреля 1834 г.»; изображена сцена расправы над восставшими рабочими в Париже). Композиционное построение этой работы предвосхищает находки кинематографа: художник использует крупный план, резкие, необычные ракурсы, совмещение нескольких «кадров». В последние годы жизни Домье обратился к живописи («Вагон третьего класса», ок. 1863—65 г.; «Прачка», 1860-е гг.). Его живописные произведения проникнуты сочувствием к людям из низов. В 1873 г. художник почти ослеп и потерял средства к существованию; он умер в полной нищете.

О. В. Домье. «Улица Транснонен 15 апреля 1834 г.». Литография. 1834 г.

Одним из первых Домье сумел почувствовать и передать в своём искусстве образ современного города с нависающими громадами домов и торчащими трубами, шумным потоком толпы, контрастами богатства и нищеты и трагическим одиночеством затерянного в нём человека. Пластическая мощь и композиционная изобретательность его графических работ стали образцом для художников следующих поколений.

ДОНАТÉЛЛО (donatello) (настоящее имя Донато ди Никколо ди Бетто Барди) (1386 или 1387, Флоренция – 1466, там же), итальянский скульптор эпохи Раннего Возрождения. Родился в семье богатого ремесленника. В 1403—07 гг. обучался в мастерской Л. Гиберти. Работал в основном во Флоренции, а также в Сиене, Риме, Падуе. В 1410-х гг. участвовал в украшении флорентийских общественных зданий. В 1416 г. создал для собора Орсанмикеле мраморную статую св. Георгия, в которой воплотился ренессансный героический идеал воина-защитника. В отличие от бесплотных, словно лишённых костяка готических скульптур, изгибающихся, подобно стеблям растений, энергичная фигура святого, созданная Донателло, твёрдо и незыблемо стоит на широко расставленных ногах, опираясь на большой щит. Спокойные, плавные линии, крупный, полновесный объём придают статуе строгость и величие. В 1415 г. Донателло выполнил статуи пророков для украшения кампанилы Флорентийского собора (1416—35). Облик пророка Аввакума отличается острой характерностью; современники прозвали его Цукконе (тыква) из-за вытянутой формы лысой головы.

Донателло. «Давид». Бронза. 1430-е гг. Национальный музей Барджелло. Флоренция

В 1431 г. Донателло посетил Рим, где изучал наследие античности. Под впечатлением от античного искусства были созданы трибуна для певчих во Флорентийском соборе, украшенная рельефом с упоённо пляшущими крылатыми младенцами-путти (1433—39), и рельеф «Благовещение» в церкви Санта-Кроче во Флоренции (т. н. алтарь Кавальканти, 1428—33). В трактовку сюжета из Священного Писания скульптор внёс пленительную жизненную непосредственность. Ангел опустился на колено перед Марией, как юный рыцарь перед прекрасной дамой. Мария, златокудрая красавица с книгой в руке, благоговейно внимает его словам. Скульптура выполнена из серо-голубого песчаника с позолотой в виде высокого, почти в полный объём, рельефа.

Донателло. «Памятник кондотьеру Гаттамелате». Бронза, мрамор, известняк. 1447—53 гг. Падуя

В бронзовой статуе «Давид» (1430-е гг.) Донателло впервые в ренессансной скульптуре обратился к изображению обнажённого тела. Работая в Падуе, мастер создал первый светский монумент эпохи Возрождения – конную статую венецианского кондотьера (наёмного военачальника) Эразмо де Нарни, по прозвищу Гаттамелата («Чёрная кошка»; отлита в 1447 г., установлена в 1453 г.). Образцом для Донателло послужил древнеримский памятник императору Марку Аврелию. Кондотьер изображён в античных доспехах и с жезлом полководца в руке. В ясности и лаконичности форм, чёткости энергичного силуэта, спокойной посадке всадника и сдержанной силе поступи коня выражены волевая собранность, героическая готовность к бою. В поздних работах Донателло (алтарь св. Антония Падуанского, 1450, и четыре рельефа со сценами из жизни святого, 1446—48; деревянная статуя Марии Магдалины, 1450-е гг.; бронзовая скульптурная группа «Юдифь и Олоферн», ок. 1456—57 г.; статуя Иоанна Крестителя, 1451; рельефы кафедр церкви Сан-Лоренцо во Флоренции на темы Страстей и Воскресения Христа, 1460-е гг.) усиливается драматизм, ощущается духовный надлом, суровая отрешённость.

В творчестве Донателло воплотился ренессансный образ человека, гармонически соразмерного окружающему миру, наделённого характерностью облика и жизненной активностью, естественностью и простотой. Наследие мастера оказало значительное влияние на дальнейшее развитие итальянской скульптуры.

ДОНÁТОР (лат. donator – даритель), часто встречающееся в живописи, скульптуре, декоративно-прикладном искусстве Средних веков и эпохи Возрождения изображение заказчика строительства храма или дарителя денежных средств для его украшения. Предоставление средств на возведение и украшение храма считалось одним из богоугодных дел. Донаторов изображали в виде маленьких фигурок, благоговейно склонённых, стоящих на коленях в молитвенной позе перед Христом, Богоматерью или святыми-покровителями. Фигуры дарителей часто помещали на боковых створках больших алтарных образов («Гентский алтарь» Я. ван Эйка, 1432; «Алтарь Портинари» Х. ван дер Гуса, ок. 1475 г.).

А. Альтдорфер. «Распятие с донаторами». Ок. 1512 г. Государственный музей. Кассель

Часто донаторы представлены с моделями возведённых на их средства зданий в руках. Так, в мозаиках храма Св. Софии в Константинополе император Юстиниан держит в руках его модель; император Константин Великий подносит Богоматери с Младенцем модель основанного им города, посвящённого Царице Небесной.

ДОНЖÓН, см. в ст. Замок.

ДРÉВИН, Древиньш Александр Давыдович (1889, Венден, ныне Цесис, Латвия —1938), латышский живописец, портретист, пейзажист. Муж художницы Н. А. Удальцовой, отец скульптора А. А. Древина. Родился в семье рабочего. Учился в Риге в мореходной школе (1904—07); за участие в революционных событиях был арестован (1906). Продолжил образование в Рижской городской художественной школе (1908—14). Входил в кружок молодых латышских модернистов «Зелёный цветок». С 1914 г. жил в Москве. Был членом общества «Бубновый валет» (1915—17). В 1918—20 гг. возглавлял художественно-строительный отдел при коллегии ИЗО Наркомпроса, участвовал в создании Музея современного искусства (Музея живописной культуры), директором которого стал в 1920 г. Член Ассоциации крайних новаторов живописи (1919). Профессор Вхутемаса – Вхутеина (с 1920 г.), член Института художественной культуры, Российской академии художественных наук, с 1925 г. – Государственной академии художественных наук. Участвовал в выставках общества «Московские живописцы» (1924—25); член-учредитель Общества московских художников (1927—32).

А. Д. Древин. «Газели». 1930—31 гг. Государственная Третьяковская галерея. Москва

В ранний период творчества в поисках собственного стиля писал работы в духе импрессионизма и примитивизма, создавал беспредметные композиции, отмеченные влиянием лучизма М. Ф. Ларионова, и геометрические абстракции («Супрематизм», 1918–20). Творческая индивидуальность художника выразилась в лирических портретах и пейзажах, написанных в насыщенно-тёмной красочной гамме, широкими и динамичными густыми мазками. Их отличает повышенная эмоциональность, взволнованность, подчас пронзительное чувство тревоги («Город», 1926; «Пейзаж с белым домом», 1930—31; «Армения. Дорога в Норк», 1933). Попытки создать востребованную эпохой «тематическую картину» на сюжет из жизни рабочих или крестьян воплотились в серии «Приволжский колхоз» (1936), близкой по стилистике к экспрессионизму.

А. Д. Древин. «Девушка в саду». 1933 г. Музей изобразительных искусств. Тула

В 1930 г. Древин был отстранён от преподавания, его творчество подверглось резкой критике. В январе 1938 г. художник был арестован и через месяц репрессирован. Реабилитирован посмертно.

ДРÉВНЕГО ЕГИ́ПТА ИСКУ́ССТВО, искусство государства, расположенного в нижнем течении р. Нил (Северо-Восточная Африка), где возник один из древнейших очагов цивилизации. В истории древнеегипетского искусства выделяют следующие периоды: Древнее царство (31–22 вв. до н. э.), Среднее царство (21–16 вв. до н. э.), Новое царство (16–11 вв. до н. э.) и поздний период (11 в. до н. э. – 6 в. н. э.). Особый период составляет время правления фараона Эхнатона (т. н. эпоха Амарны; 1365—48 гг. до н. э.).

Большой Сфинкс в Гизе. 27–26 вв. до н. э.

Искусство Древнего Египта было тесно связано с религией и мифологией. Все произведения искусства создавали по строгим правилам – канонам. В честь богов воздвигали грандиозные храмы. В скульптуре и живописи их изображали как в человеческом облике (солнечный бог Амон-Ра, властитель загробного мира Осирис и его супруга Исида – богиня любви и материнства, богиня справедливости и космического порядка Маат и др.), так и в виде животных или людей с головами животных (Хор – в образе сокола; бог мудрости, правосудия и письменности Тот – птицы ибиса; покровитель бальзамировщиков и проводник умерших в загробное царство Анубис – шакала; богиня войны, болезней и покровительница врачевателей Сохмет – львицы и т. д). В отличие от др. культур Древнего Востока, египтяне подчёркивали в образах богов не устрашающе-ужасные черты, а величие и торжественность. Фараонов (царей) почитали как живых богов. Искусство было ориентировано на потустороннюю жизнь. Египтяне верили в продолжение жизни после смерти, если будет сохранено тело. Тела умерших обрабатывали специальными составами, превращавшими их в мумии. По представлениям египтян, после смерти продолжали существовать жизненные сущности человека. Одна из них – Ба, жизненная сила – изображалась в виде птицы, вылетающей из уст умершего. Другая – Ка, невидимый двойник. В гробничных статуях и рельефах изображался не сам человек, а его Ка, который рождался вместе с человеком, однако не имел возраста и не менялся, поэтому покойного представляли в образе цветущего, здорового юноши. На всех изображениях подписывали имя (Рен), которое также считалось одной из сущностей человека. Статуя без надписи считалась незавершённой. Особое значение имели инкрустированные или раскрашенные глаза в скульптурах и рельефах. Для египтян зрение было важнейшим условием жизни, а мёртвый мыслился как слепец. Согласно египетским мифам, бога Осириса, предательски убитого братом Сетом, воскресил его сын Хор, давший ему проглотить свой глаз. Перед погребением мумии необходимо было совершить особый ритуал «отверзания уст и очей», «оживляющий» её для вечной жизни. Подобным обрядом завершалось и создание статуи, которая должна была заменить мумию в случае её утраты. Уже в юности состоятельные египтяне начинали украшать свои «вечные дома» – гробницы – рельефами и настенными росписями, не предназначенными для осмотра, а призванными обеспечить умершему изобилие и довольство в загробном существовании. Изображения воспринимались как нечто «живое», обладающее магической силой. Слово художник означало «творящий жизнь».

Погребальная маска фараона Тутанхамона. Золото. 14 в. до н. э. Египетский музей. Каир

Искусство Древнего царства стало образцом для египтян последующих эпох: в их представлении это было время, когда царствовал порядок, установленный богами, некогда правившими на земле. Столичным городом был Мемфис. Архитектура, как и в позднейшие эпохи, играла главную роль. Здания возводились из камня (известняка); их отличают строгие геометризованные формы, грандиозный масштаб. Были выработаны типы сооружений, которые применяются и поныне (пирамиды, обелиски, пилоны). Храмы украшали мощными колоннами с капителями в виде цветущего лотоса или папируса. Древнейшей формой гробницы была мастаба. Позднее сооружались огромные погребальные комплексы, куда входили царские усыпальницы – пирамиды, окружённые маленькими пирамидами цариц и гробницами вельмож, и заупокойные храмы (ступенчатая пирамида Джосера, 28 в. до н. э., зодчий Имхотеп; «великие пирамиды» (27–26 вв. до н. э.) фараонов Хуфу (Хеопса; архитектор Хемиун); Хафра (Хефрена) и Менкаура (Микерина) в Гизе (см. ст. Пирамиды египетские). Рядом возвышалось, как грозный страж, изваяние Большого Сфинкса.

Тутмес. «Бюст царицы Нефертити». Раскрашенный известняк. 14 в. до н. э. Египетский музей. Берлин

Скульптура являлась органической частью гробниц, храмов и дворцов. Воздвигались огромные статуи богов и фараонов, олицетворявшие их мощь и власть, но никогда – злых демонов. Сложилось три типа царских статуй: «идущий» фараон с выдвинутой вперёд ногой (парная статуя Микерина и царицы Хамерернебти, 27 в. до н. э.); сидящий на троне с руками на коленях (статуя Хефрена, 27 в. до н. э.); в облике бога Осириса – стоящая фигура с руками, сложенными на груди и держащими символы царской власти (жезл и бич). По подобию царских создавались скульптуры вельмож. Скульпторы использовали камень, дерево, слоновую кость. Предпочитались твёрдые породы камня (гранит, базальт, порфир и др.). Статуарный образ вычерчивали на гранях прямоугольной каменной глыбы, а затем высекали; поэтому в египетских изваяниях всегда ощущается первоначальный кубический объём. Статуи обращены к Вечности; из них изгнано всё случайное, второстепенное. Строгая симметрия, неподвижность, лаконизм и обобщённость форм усиливали ощущение монументальности, незыблемости, торжественного величия. В то же время статуарные образы потрясающе жизненны: связь скульптурного изображения с заупокойным культом требовала передачи портретного сходства (бюст царевича Анх-хафа, сер. 3-го тыс. до н. э.; статуи зодчего и визиря Хемиуна, 27 в. до н. э., писца Каи, сер. 3-го тыс. до н. э., царевича Каапера, сер. 3 тыс. до н. э.; портретные группы царевича Рахотепа с женой Нофрет, первая пол. 3-го тыс. до н. э., и карлика Сенеба с семьёй, 25 в. до н. э.). Статуи и рельефы раскрашивались: тела мужчин – в красно-коричневый цвет, женщин – в светло-жёлтый; обозначались белые одежды, чёрные парики, яркие украшения. Египтяне создали два типа рельефа: очень низкий, едва отступающий от плоскости фона, и врезанный, углублённый в толщу камня. Выдающийся памятник – стела фараона Нармера (кон. 4 – нач. 3-го тыс. до н. э.), посвящённая победе Верхнего (Южного) Египта над Нижним.

«Гуси». Фреска гробницы зодчего Нефермаата в Медуме. 27 в. до н. э. Каир. Египетский музей. Фрагмент

Человек и его деятельность – главные темы гробничных рельефов и росписей (гробницы вельмож Ти, ок. 2450 г. до н. э., и Птаххотепа, ок. 2350 г. до н. э.; обе – в Саккара). В захоронениях эпохи Древнего царства не было изображений богов, солнца и луны. Запечатлённый на стенах мир не был зеркальным отражением земного существования; это была искусственно созданная среда, обеспечивающая все потребности владельца гробницы. Рельефы и росписи разбиты на полосы и «читаются» как текст; они настолько точно и подробно передают повседневную жизнь египтян, что служат надёжным источником для её изучения. Однако, по сравнению с реальностью, в изображение загробного «мира-двойника» вносились определённые изменения. Не было сцен государственной службы, свидетельствовавшей о подчинённом положении. Настенные росписи отличает плоскостность, яркость цветов. Египетские мастера работали клеевыми красками, обычно не смешивая их; полутона появились только в поздний период. Выразительность живописи строилась на чёткости силуэтов, контуры которых заполнялись яркими красками. Человека изображали не так, как видели, а таким образом, чтобы дать о нём наиболее полное представление: плечи, туловище и глаз на лице человека изображались анфас, лицо и ноги – в профиль.

«Танцовщицы на пиру». Фреска гробницы вельможи Небамуна в Фивах. 15 в. до н. э. Фрагмент

В эпоху Среднего царства центром страны стал г. Фивы. Возросла самостоятельность номов (областей), что вызвало расцвет местных художественных школ. Правители областей – номархи – теперь строили гробницы не у подножия царских пирамид, а в своих владениях. Появилась новая форма царского захоронения – скальная (высеченная в толще скалы) усыпальница, вход в которую обычно оформлялся портиком с двумя или четырьмя колоннами. В храмах стали помещать статуи фараонов, предназначенные для всеобщего обозрения. В изображениях царей (портреты Аменемхета III и Сенусерта III; оба – 19 в. до н. э., и др.) точно показан возраст; выразительные лица то оживлены улыбкой, то несут следы усталости; скульптор фиксирует глубокие носогубные складки, морщины на лбу, выступающие скулы и плотно сжатые губы. В портретах фараонов запечатлён образ прежде всего правителя, а не божества, в отличие от древнейших царских статуй. Изваяния вельмож отличаются «дородностью»: полнота тела олицетворяла процветание. Наряду с условными скульптурными изображениями создавались индивидуализированные статуи, с портретной точностью передававшие черты лица и анатомические особенности тела. Они именовались «статуями согласно жизни». Типизированные скульптуры и «статуи согласно жизни» одного и того же человека могли одновременно находиться в гробницах. В усыпальницы помещали также небольшие раскрашенные деревянные статуэтки, составлявшие группы (композиции «Подсчёт стада», «Ткацкая мастерская» и др. из гробницы вельможи Мекетра, 20 в. до н. э.; египетский и нубийский воинские отряды из гробницы Месехти, ок. 2000 г. до н. э.). Росписи гробниц номархов в Бени-Хасане (сцены сбора плодов, охоты и рыбной ловли из гробницы Хнумхотепа, 20 в. до н. э., и др.) отличает живописность и тонкая наблюдательность в воссоздании живой природы: нильской воды, зарослей папируса, зверей и птиц.

«Писец Каи». Сер. 3-го тыс. до н. э. Лувр. Париж

Ок. 1700 г. до н. э. Египет пережил вторжение азиатских племён – гиксосов (егип. чужеземные правители). Время их 150-летнего владычества было периодом упадка. Изгнание гиксосов из страны в нач. 16 в. до н. э. ознаменовало начало эпохи Нового царства, во время которой Египет достиг небывалого могущества. Для архитектуры этого периода характерны грандиозный размах, роскошь убранства и имперское великолепие. В 16 в. до н. э. был выработан ставший впоследствии классическим тип наземного храма (Карнак и Луксор в Фивах). Заупокойный скальный храм царицы Хатшепсут в Дейр-эль-Бахри (нач. 15 в. до н. э., архитектор Сенмут), посвящённый богине Хатхор, возведён у подножия отвесных скал. Он представляет собой три соединённые пандусами террасы, внутри которых находятся высеченные в толще скалы залы. Строгие, геометрически правильные линии карнизов и колонн с капителями в виде головы Хатхор оттенены извилистыми линиями скальных отрогов. В правление Рамсеса II был возведён грандиозный храмовый комплекс в Абу-Симбеле (первая пол. 13 в. до н. э.).

«Тутанхамон с женой». Рельеф спинки трона Тутанхамона. Дерево, инкрустация золотом, серебром и драгоценными камнями. 14 в. до н. э. Египетский музей. Каир

Скульптуру и живопись отличает утончённость, внимание к деталям. Силуэты в рельефах и статуях становятся более изысканными, плавными. Появляются попытки передать стремительные движения – мчащиеся колесницы, бегущих зверей (рельеф с изображением военных походов фараона Сети I, 13 в. до н. э.), сильные чувства (рельеф с изображением плакальщиков, кон. 14 – нач. 13 в. до н. э.); фигуры иногда заслоняют друг друга. В настенных росписях появляются изображения потустороннего мира и богов, любимыми сюжетами становятся сцены пиров и охот (гробницы вельмож Нахта, 15 в. до н. э., и Сеннеджема, 13 в. до н. э.; обе – в Фивах). Сквозь прозрачные одежды женщин просвечивает тело. Обнажённые служанки, вопреки канону, изображаются полностью в фас или профиль, со спины; позы отличает естественная непринуждённость. Папирусные свитки с текстами («Книга мёртвых» и др.) стали оформлять цветными рисунками. Особого расцвета достигло декоративно-прикладное искусство. Золотая маска, трон, сосуды, ларцы и др. предметы утвари из гробницы фараона Тутанхамона (14 в. до н. э.) выполнены с тонким вкусом и изяществом.

В результате реформы фараона Эхнатона был установлен единый культ бога солнечного диска Атона (рельеф «Поклонение Атону», 14 в. до н. э.). Была возведена новая столица Ахетатон («Горизонт Атона»). Искусство этого времени отличает живость и свобода, особый лиризм. Жёсткие каноны смягчились: царь впервые предстал в кругу своей семьи, обнимающим жену и ласкающим дочерей (рельеф домашнего алтаря с изображением семьи Эхнатона, первая пол. 14 в. до н. э.). Подлинными шедеврами являются портретные бюсты царицы Нефертити и Эхнатона (ок. 1340 г. до н. э., скульптор Тутмес).

В 332 г. до н. э. Египет был завоёван Александром Македонским, основавшим в дельте Нила г. Александрию. В контексте культуры эллинизма египетские традиции сложно переплетались с греко-римскими. Интереснейшими памятниками позднего периода являются надгробные фаюмские портреты, оказавшие воздействие на формирование римского, а впоследствии – восточно-христианского искусства.

ДРÉВНЕГО РИ́МА ИСКУ́ССТВО, искусство государства, возникшего на Апеннинском полуострове, впоследствии распространившегося назападную и юго-восточную части Европы, Малую Азию, побережье Северной Африки, Сирию и Палестину (8 в. до н. э. – 4 в. н. э.). Историю римского искусства принято подразделять на три основных периода: т. н. царский (8 – кон. 6 в. до н. э.); республиканский (6 в. до н. э. – 30 г. до н. э.); императорский (30 г. до н. э. – 476 г. н. э.).

Статуя императора Октавиана Августа в виде бога Юпитера. Мрамор. Нач. 1 в. н. э. Государственный Эрмитаж. Санкт-Петербург

В царский период городом, основанным, по преданию, близнецами Ромулом и Ремом, правили семь царей, последние три из которых были этрусками. Многие традиции культуры этрусков (см. ст. Этрусков искусство) были унаследованы римлянами (умение осушать болота, строить дороги и крепостные стены; гадать по полёту птиц, сверканию молний и печени жертвенных животных; а также устраивать гладиаторские игры и носить тоги).

«Капитолийская волчица». Бронза. Нач. 5 в. до н. э. Капитолийские музеи. Рим

Становление собственно римского искусства относится к республиканскому периоду. В его начале сохранялось сильное влияние этрусков. На Капитолии, одном из семи холмов на берегу р. Тибр, установили созданную этрусским мастером бронзовую статую волчицы (5 в. до н. э.), по преданию вскормившей своим молоком Ромула и Рема. Эта статуя стала символом Рима. Древнейший храм, посвящённый Капитолийской триаде богов – Юпитеру, Юноне и Минерве (509 г. до н. э.), вероятно, был также возведён этрусскими зодчими и представлял собой трёхчастное (разделённое вдоль на три святилища) здание, поднятое на высокий каменный подий (постамент). Главный фасад был выделен колонным портиком, ко входу вела высокая лестница. Впоследствии этот тип здания оставался на протяжении веков основным в римской храмовой архитектуре. Римляне были превосходными строителями. В архитектуре они ценили прежде всего пользу, прочность и грандиозные масштабы. Возводились акведуки, подводившие воду к Риму из близлежащих горных озёр, прокладывались мощёные камнем дороги (Аппиева дорога, 4 в. до н. э., до сих пор функционирующая), в городе была совершенная для своего времени система канализации (т. н. Большая Клоака, в которой, возможно, впервые в римской архитектуре, была применена арка). Средоточием жизни Рима был форум– главная городская площадь. Древнейший форум Романум лежал в котловине между холмами Палатин, Капитолий и Эсквилин. Здесь возвышались храмы, в базиликах велись судебные и торговые дела. Ростральные колонны, украшенные отрубленными носами вражеских кораблей, напоминали о славных победах. Изобретение во 2 в. до н. э. бетона (смесь известкового раствора с вулканическим песком пуццоланой) произвело переворот в технике строительства. На смену стоечно-балочной конструкции пришла более прочная монолитно-оболочечная (зазор между двумя параллельными стенами заливали бетоном). Применение бетона позволило возводить грандиозные арочные мосты (мост Мульвия, 2 в. до н. э., мост Фабриция, 62 г. до н. э.; оба – в Риме); перекрывать огромные пространства сводами (Табуларий на форуме Романум, 79–78 гг. до н. э.; общественные бани – термы). Элементы архитектурного ордера (см. ст. Ордер архитектурный), утратив конструктивное значение, применялись для украшения. Помимо трёх основных ордеров римляне ввели четвёртый композитный (колонны с ионической и коринфской капителями, расположенными друг над другом). Представление о жилой архитектуре дают дома, сохранившиеся в г. Помпеи, погибшем при извержении вулкана Везувий (см. ст. Римский жилой дом).

Форум Романум в Риме. 6 в. до н. э. Реконструкция

Скульптура и живопись начинают развиваться с 3–2 вв. до н. э., во многом под влиянием древнегреческого искусства. Во 2 в. до н. э. Греция была завоёвана римлянами. Статуи сотнями вывозились в Рим, греческие мастера и их местные ученики поставили на поток производство копий со знаменитых скульптур. Вскоре, по словам мемуариста, статуи «в греческом стиле» так наводнили Рим, что казалось, будто рядом с живыми людьми город населяет ещё один каменный народ. Собственно римская пластика представлена прежде всего скульптурным портретом и историческим рельефом. Памятником греко-римского стиля является алтарь Домиция Агенобарба (ок. 100 г. до н. э.), украшенный рельефами работы греческого (миф о Нептуне и Амфитрите) и римского (сцена проведения имущественного ценза) мастеров. Скульптурный портрет ярко представляет историю Рима в лицах. Римские портретные бюсты произошли от посмертных масок, хранившихся в домах в соответствии с культом предков. Скульпторы не приукрашивали изображённых, стремясь максимально точно запечатлеть их черты. В лицах римлян чувствуется суровое благородство (т. н. Брут, 3 в. до н. э.; портрет Ю. Цезаря, 1 в. до н. э.), иногда расчётливая трезвость и прозаизм (портрет старого патриция, 1 в. до н. э.), но всегда сила духа и стойкость характера. Сформировалось несколько типов статуй: полководцы в образе героев; римляне в тогах, совершающие жертвоприношения; знатные римляне с бюстами предков (Патриций с портретами предков, 1 в. до н. э.); ораторы, выступающие перед народом (статуя Авла Метелла работы этрусского мастера, 110—90 гг. до н. э.). Портретной в статуях была только голова, само изваяние служило для неё лишь «постаментом». Сельские и городские виллы украшались фресками и мозаиками, прекрасное представление о которых даёт живописное убранство домовв Помпеях. Во второй пол. 2 – нач. 1 в. до н. э. господствовал инкрустационный стиль (настенные росписи изображали каменную кладку); в 80–30 гг. до н. э. – архитектурно-перспективный стиль (росписи виллы Мистерий, сер. 1 в. до н. э.).

И. Джисмонди. «Макет Рима в 4 в. н. э.». 1930-е гг.

Императорский период начинается временем правления Августа (30 г. до н. э. – 14 г. н. э.). Архитектура и изобразительное искусство пережили яркий расцвет. В строительстве всё шире применялся бетон; бетонные стены облицовывали кирпичом и камнем, в том числе ценными породами мрамора. Основой зданий была арочная конструкция; в честь военных побед императора возводились отдельно стоящие триумфальные арки. Велось оживлённое строительство (форум Августа, кон. 1 в. до н. э.; театр Марцелла, 44–17 гг. до н. э.; Алтарь Мира, 13—9 гг. до н. э.). Прекрасно сохранились храм (т. н. Квадратный дом) и акведук (т. н. Гарский мост) в Ниме, Франция; оба – кон. 1 в. до н. э. – нач. 1 в. н. э. Создатели скульптурных портретов сглаживали индивидуальное своеобразие, стремясь создавать типические, идеализированные образы (статуя Августа в роли полководца из Прима Порта, ок. 20 г. до н. э.). Изваяния императоров стали объектами религиозного поклонения; представленным в статуях богам часто придавали черты облика правителей. Настенные росписи являли образ цветущего сада с поющими птицами и фонтанами (фрески виллы Ливии в Прима Порта, кон. 1 в. до н. э.).

«Покорение Дакии». Рельеф колонны императора Траяна в Риме. Мрамор. 113 г.

Грандиозными памятниками эпохи ранней Империи были Золотой дом Нерона (64–68 гг., не сохранился), построенный из кирпича и бетона и перекрытый мощными сводами; амфитеатр Колизей (75–80 гг.), возведённый императором Веспасианом. Триумфальная арка Тита (81 г.) прославляла победу полководца над Иерусалимом. Парадность и пышное великолепие отличают форум императора Траяна (107—13 гг., архитектор Аполлодор из Дамаска), самую роскошную из римских площадей. В центре форума была воздвигнута колонна Траяна высотой 40 м – памятник победам императора и его усыпальница. При императоре Адриане зодчие стали ориентироваться на древнегреческие традиции (храм Зевса Олимпийского в Афинах), архитектурные здания и комплексы отличались изысканностью, усложнённостью форм (вилла Адриана близ Тиволи, 125–135 гг.). Была возведена самая грандиозная купольная постройка античности – Пантеон (ок. 125 г.).

Бюст Юлия Цезаря. Мрамор. Первая пол. 1 в. до н. э.

Скульптурные портреты ранней Империи отличает сложность мимической выразительности (бюсты Нерона, 50-е гг.; Веспасиана, 70-е гг., и др.). В мраморных бюстах краской тонировались зрачки, губы, возможно волосы. В бронзовых скульптурах в углубления зрачков вставлялись полудрагоценные камни (портрет помпейского ростовщика Цецилия Юкунда, 60-е гг.). Вершиной в развитии исторического рельефа стали рельефы колонны Траяна (113 г.), запечатлевшие поход римской армии против Дакии (возведение мостов, осада крепости и т. д.), и этнографически точно воспроизводящие одежду, оружие, утварь. В правление Адриана скульптурный портрет обретает почти греческую мягкость и нежность в обработке мрамора. Зрачки уже не раскрашивались, а высверливались с помощью бурава, что придавало взгляду живость и естественность. Конная статуя императора Марка Аврелия (161—80) послужила образцом для монументальных памятников последующих веков. В скульптурных портретах Марка Аврелия ощущается усталость, скепсис, философское раздумье.

Статуя императора Марка Аврелия. Бронза. 2 в. н. э. Рим

В настенных росписях второй пол. 1 в. н. э. преобладали фантастические архитектурные виды и «картины» на стенах – мифологические композиции, портреты, натюрморты (роспись дома Веттиев в Помпеях, ок. 79 г.). Во 2 в. бурно развивалась культура римских провинций, где широкое распространение получили мозаики и фрески (Пальмира, Баальбек и др.).

В 3–4 вв. римское искусство переживает кризис. Для архитектуры характерно стремление к гигантским масштабам, избыточная пышность и роскошь отделки (Триумфальная арка Септимия Севера, нач. 3 в.; термы Каракаллы, 206—17, и Диоклетиана, 306; базилика Максенция, ок. 315 г.). Распространяются восточные культы Исиды, Сераписа, Митры, в честь которых воздвигается множество храмов. В статуях и бюстах Каракаллы, Септимия Севера, Юлии Домны ещё сохранялись старые технические приёмы, но их образное наполнение стало иным: ощущается настороженность, подозрительность. К кон. 3 в. всё сильнее проявлялись новые идеалы, связанные с христианским вероучением. В 4 в. Рим потерял былое политическое значение; культурным центром стал Константинополь. В недрах античной культуры вызревало раннехристианское искусство, в котором духовность преобладала над телесной выразительностью.

ДРÉВНЕЙ ГРÉЦИИ ИСКУ́ССТВО, искусство древнегреческих государств, занимавших южную часть Балканского полуострова, острова Эгейского моря, побережье Фракии, западную береговую полосу Малой Азии и распространивших своё влияние в период греческой колонизации (8–6 вв. до н. э.) на территории Южной Италии, Восточной Сицилии, Южной Франции, на северное побережье Африки, на проливы и побережья Чёрного и Азовского морей. Подразделяется на следующие периоды: «тёмные века» после падения ахейских государств (12–11 вв. до н. э.); т. н. «гомеровскую эпоху» (10—8 вв. до н. э.), архаику (7–6 вв. до н. э.), классику (5–4 вв. до н. э.) и эллинизм (334—30 гг. до н. э.).

Дипилонская амфора. 8 в. до н. э. Национальный археологический музей. Афины

Искусство «тёмных веков», когда были утрачены утончённые традиции крито-микенского искусства, представлено единичными грубыми и бедными изделиями.

«Медуза Горгона». Рельеф фронтона храма Артемиды на острове Корфу. 590—80 гг. до н. э.

Наиболее яркое явление культуры «гомеровской эпохи» – вазопись геометрического стиля, самые совершенные образцы которой происходят из Афин (Дипилонский некрополь). Т. н. Дипилонские амфоры и кратеры (высотой до 1,5 м) служили надгробными памятниками. Люди и животные в этих изображениях словно составлены из геометрических фигур. Скульптура была представлена идолообразными изображениями богов из дерева (т. н. «ксоаны»).

«Ника Самофракийская». Мрамор. Ок. 190 г. до н. э. Лувр. Париж

В период архаики происходит становление архитектуры, в основном – храмовой. Первые культовые сооружения были деревянными, затем их стали возводить из камня (мрамора). На смену простейшему типу «храма в антах» (с открытым портиком перед внутренним помещением) появился окружённый колоннадой периптер; складывались основные виды ордера – дорический и ионический (см. ст. Ордер архитектурный). Треугольные фронтоны храмов украшались рельефами или скульптурными группами (храм богини Артемиды на о. Корфу (590—80 до н. э.), сокровищница сифносцев в Дельфах (ок. 525 г. до н. э.). Появились каменные статуи – куросы, обнажённые юноши и коры, изваяния девушек в тонких длинных одеждах. Куросы изображали богов (чаще всего Аполлона) или героев; они стояли на площадях перед храмами, в святилищах, нередко служили надгробными памятниками. Ионийские статуи (надгробная статуя Кройса, ок. 520 г. до н. э.) отличало изящество форм, пелопоннесские («Клеобис и Битон», скульптор Полимед из Аргоса, нач. 6 в. до н. э.) – мощь и сила. Древнейшие изваяния куросов представляли собой стоящие фигуры с опущенными руками, со слегка выдвинутой вперёд левой ногой. Возможно, в этой манере изображения сказалось воздействие египетской культуры. Однако египетские художники скрывали (за редкими исключениями) наготу тела, а греки её подчёркивали. В сер. 6 в. до н. э. лики куросов оживлялись т. н. «архаической улыбкой» («Аполлон Тенейский»). Скульпторы пытались передать впечатление озарённого улыбкой лица, слегка приподнимая кончики губ. Коры были найдены в основном на афинском Акрополе, их отличает тонкость исполнения и целомудренная чистота образа. Попытку показать движение, полёт в скульптуре предпринял мастер Архерм в статуе богини победы Ники, фигура которой дана в т. н. «коленопреклонённом беге» (голова и торс переданы неподвижно и фронтально, а руки и ноги – в профиль, словно в прыжке). В это же время появляется изображение «мосхофора» – человека, несущего на плечах в дар Афине телёнка. Скульптура играла в греческом искусстве главную роль. Греки представляли мир («космос») телесно; само это слово означало строй, порядок, красоту. Изображая человеческое тело, ваятели стремились создать подобие космоса. Греков вдохновляла идея «мимесиса» – подобия, жизненности. Поэтому статуи тонировали прозрачными красками, воспроизводящими блеск глаз, живую теплоту человеческой кожи, узоры одежд и украшений. Глаза бронзовых статуй инкрустировали слоновой костью и полудрагоценными камнями. В вазописи сложился чёрнофигурный стиль (амфора с изображением Ахилла и Аякса, играющих в кости, работы мастера Экзекия, 6 в. до н. э.; т. н. «Ваза Франсуа» Клития и Эрготима, ок. 560 г. до н. э., и др.). Были разработаны разнообразные формы ваз: стройные амфоры и пузатые пелики для вина и масла; гидрии с двумя горизонтальными и одной вертикальной ручкой для воды; кратеры с широким горлом для смешивания вина с водой; кувшины-ойнохои (ольпы), черпаки-киафы и килики – плоские блюдца на ножке, из которых пили вино; а также изящные, высокие и узкогорлые лекифы, служившие для хранения душистых масел и священных возлияний. Особенно славились гончарные мастерские Афин. В кон. 6 в. до н. э. появилась краснофигурная техника вазописи, где движение фигур передавалось более естественно (мастера Андокид, Евфроний, Евфимид, Дурис и др.). Керамические (глиняные) сосуды были для греков подобием живого существа, имеющего «ножку», «тулово», «горловину» и «ручки». Надписи на стенках ваз всегда делались «от первого лица»: «Евфимид расписал меня», «Я принадлежу Фидию» и т. п.

«Дельфийский возничий». Ок. 470 г. до н. э. Бронза. Музей. Дельфы

В искусстве классической эпохи выделяют периоды ранней (первая пол. 5 в. до н. э.), высокой (450—10 гг. до н. э.) и поздней (410–323 гг. до н. э.) классики. Переходным памятником от архаики к классическому периоду в архитектуре стал храм Афины Афайи на о. Эгина (рубеж 6–5 вв. до н. э.). На его фронтонах представлена битва греков с троянцами. Фигуры поражают сочетанием динамики и неподвижности. Крупнейший памятник ранней классики – храм Зевса в Олимпии – чтимое древнее святилище (470–456 гг. до н. э., архитектор Либон; не сохранился). Фронтоны дорического периптера были украшены скульптурными композициями с состязанием колесниц и битвой лапифов с кентаврами. Несмотря на ярость схватки, лица юношей и девушек не искажены гневом или ужасом, их черты остаются ясными и уверенно-спокойными. Им противопоставлены дикие и буйные кентавры. В храме находилась изваянная Фидием статуя Зевса Олимпийского, прославленная как одно из семи чудес света. Скульптор Мирон создал статую атлета-победителя («Дискобол», 460—50 гг. до н. э.). Впервые в греческой пластике был воплощён момент перехода от покоя к движению. Мастера ранней классики предпочитали создавать статуи из бронзы («Посейдон» с мыса Артемисион, ок. 460—50 гг. до н. э.; т. н. Дельфийский возничий, ок. 470 г. до н. э., – скульптура победителя в состязании колесниц). Даже если изваяния изображали конкретных людей, они были лишены каких-либо индивидуальных черт, являя обобщённые, идеальные образы воинов, атлетов, богов и героев. Принципиально новым явлением в искусстве были статуи «тираноубийц» Гармодия и Аристогитона (скульпторы Критий и Несиот; ок. 477 г. до н. э.), воздвигнутые в честь граждан, предавших смерти афинского тирана Гиппарха. Во второй четверти 5 в. до н. э. переживает расцвет живопись (картины и фрески легендарных мастеров Полигнота, Аполлодора Афинского, Зевсксиса и др.). Полигнот создавал многофигурные композиции, используя перспективу, Аполлодор открыл эффект светотени и положил начало живописи в современном смысле слова. Их произведения не дошли до наших дней, они известны лишь по описаниям античных авторов. Ведущие мастера раннеклассической вазописи – Дурис и Бриг.

«Надгробие Гегесо». Мрамор. Ок. 410 г. до н. э. Национальный археологический музей. Афины

В эпоху высокой классики был возведён ансамбль афинского Акрополя со знаменитым храмом Парфенон (447—38 гг. до н. э.; архитекторы Иктин и Калликрат). Появился новый архитектурный ордер – коринфский, впервые применённый в храме Аполлона в Бассах (ок. 430 г. до н. э., архитектор Иктин). Поликлет в статуе «Дорифора» (копьеносца) создал образ идеального гражданина. Всё тело юноши пронизано неуловимым движением. Исследованию идеальных пропорций человеческой фигуры был посвящён трактат скульптора «Канон».

Кресилай. «Бюст Перикла». Римская копия. Сер. 5 в. до н. э. Пергамон-музей. Берлин

После Пелопоннесской войны (431–404 гг. до н. э.), в которой победила Спарта, наступил период кризиса полисной системы. В архитектуре соседствуют громадные здания (храм Артемиды в Эфесе, Мавзолей в Галикарнасе; оба – сер. 4 в. до н. э.) и небольшие постройки (памятник Лисикрата, ок. 335 г. до н. э.). В изобразительном искусстве всё большее значение придавалось передаче индивидуальных черт человека, его внутреннего мира; преобладал интерес к образам людей, а не богов; умиротворённая гармония ранней классики сменилась бурным выражением чувств. Ведущие скульпторы поздней классики – Скопас, Пракситель, Леохар, Бриаксис, Тимофей. Произведения Скопаса отличаются взрывной динамикой и драматизмом (статуя танцующей опьянённой Менады, ок. 350 г. до н. э.; известна по римской копии). Пракситель создавал скульптуры с изящными, грациозными изгибами форм. Он впервые сделал изваяние обнажённой женской фигуры – статую Афродиты Книдской. Как самостоятельный жанр искусства в творчестве Лисиппа, придворного скульптора Александра Македонского, выделяется скульптурный портрет. Живописец Павсаний изобрёл технику энкаустики, на весь мир гремела слава художника Апеллеса.

«Битва с гигантами». Рельеф фриза пергамского алтаря. Мрамор. Ок. 180 г. до н. э. Пергамон-музей. Берлин

В эпоху эллинизма влияние греческой культуры распространилось на обширные территории от Египта до Индии.

ДРÉВНЕЙ И́НДИИ ИСКУ́ССТВО, искусство государства, расположенного на полуострове Индостан и в бассейнах рек Инда и Ганга; одна из древнейших культур человечества. В истории индийского искусства выделяют период существования древнейших цивилизаций (сер. 3 – сер. 1-го тыс. до н. э.); эпоху Маурьев (322–185 гг. до н. э.); эпоху Шунгов и Кушан (2 в. до н. э. – 3 в. н. э.); эпоху Гуптов (4–6 вв.).

В глубокой древности на территории Индии существовала высокоразвитая цивилизация, названная Хараппской по основному месту раскопок. В долине Инда, в поселениях Мохенджо-Даро и Хараппа (на территории современного Пакистана) сохранились руины городов бронзового века (2500–1500 гг. до н. э.) со строгой планировкой улиц, системой водоснабжения, дворцами и общественными зданиями; были найдены небольшие статуэтки, изображавшие жрецов, танцовщиц, богиню плодородия, исполненные в технике бронзового литья; ювелирные украшения, печати с изображениями животных; щедро орнаментированные керамические изделия. Культура древних поселений погибла в сер. 2-го тыс. до н. э. в результате вторжения в долину Инда ариев – племён, принадлежавших к иранской ветви индоевропейской группы, носителей т. н. ведийской культуры. Об их обычаях и верованиях позволяют судить Веды («Священное знание») – сборник древних религиозных текстов. Арии обожествляли природу (бог Индра олицетворял грозу, Агни – огонь, Сурья, Митра и Савитар – солнце, Притхиви – землю, Варуна – небо), поклонялись духам воды, лесов, неба. В 1-м тыс. до н. э. возникли рабовладельческие государства (крупнейшее – Магадха в Северной Индии). Господствующей религией стал брахманизм. Во главе пантеона богов встала триада: Брахма – созидатель, Вишну – охранитель и Шива – разрушитель. Почитался также громовержец Индра – покровитель царской власти и др. божества. Сформировалась кастовая система: общество делилось на четыре варны (касты). Две высшие касты жрецов (брахманов) и военных (кшатриев) занимали привилегированное положение. Ниже их стояли крестьяне, ремесленники и торговцы (вайшьи) и слуги (шудры). Бурно развивалась архитектура, строились дворцы, украшенные драгоценными камнями. Источником сюжетов и образов для мастеров 1-го тыс. до н. э. стали эпические поэмы «Махабхарата» («Великая битва потомков Бхараты») и «Рамаяна» («Сказания о приключениях царя Рамы»).

«Танцующий бог Шива». Бронза. 11–12 вв.

Период правления династии Маурьев – время объединения страны, начатого царём Чандрагуптой (ок. 322–320 гг. до н. э.) и завершённого Ашокой (272–232 гг. до н. э.). В мощном рабовладельческом государстве строились города и дороги. Деревянный, на каменном фундаменте трёхэтажный дворец царя Ашоки в столичном городе Паталипутре был щедро украшен скульптурой. В 3 в. до н. э. получила широкое распространение новая религии – буддизм. Основатель буддизма царевич Сиддхартха Гаутама (6 в. до н. э.) отказался от мирских благ, путём внутреннего совершенствования достиг нирваны (прекращения перевоплощений на земле и освобождения от страданий) и стал называться Буддой («просветлённым»). При царе Ашоке буддизм был объявлен государственной религией. По всей стране возводились ступы – мемориальные сооружения, хранящие останки Будды (ступа в Санчи, 3 в. до н. э.), и монолитные каменные колонны-стамбха, воздвигавшиеся в местах его деяний. Знаменитая стамбха Ашоки из Сарнатха (ок. 243 г. до н. э.) увенчана капителью с фигурами четырёх львов (символы Будды), которые поддерживают «колесо закона». В 3–2 вв. до н. э. начали строить буддийские пещерные монастыри (монастырь в горах Барабара, 3 в. до н. э.) и храмы-чайтья. Суровые и величественные залы, уходившие в глубь скалы, разделялись двумя рядами монолитных колонн и щедро украшались скульптурой (чайтья в Карли, 1 в. до н. э.).

В 1–3 вв. н. э. возвысилось царство Кушан, занимавшее Северную Индию, часть Средней Азии, Афганистана и Пакистана. В кушанском искусстве впервые появилось изображение Будды в виде человека. Будду представляли сидящим на троне в позе лотоса. Плащ, перекинутый через левое плечо, указывал на жизнь странника и аскета. Удлинённые мочки ушей, «третий глаз» на лбу и др. детали свидетельствовали о нём как об избранном, указывающем путь к спасению. В архитектуре усиливается декоративность форм. Строительным материалом становится кирпич. Ступы приобретают более вытянутую форму, возводятся на высокой цилиндрической платформе, имеющей лестницы и украшенной скульптурными изображениями Будды.

«Сидящий Будда». Известняк. 1–3 вв. н. э.

В 4 в. возникло мощное феодальное государство, управлявшееся династией Гуптов. Гупты были приверженцами религии индуизма, однако продолжали покровительствовать и буддизму. Появился новый тип индуистского храма, пирамидальная форма которого символизировала мировую гору, на которой обитают боги (храм бога Вишну в Деогархе, 4 в.). Стены украшались изваянными в технике высокого рельефа фигурами мифологических персонажей. Выдающийся памятник эпохи – буддийский храмовый комплекс Аджанты (4–6 вв.). Стены пещерных храмов украшены скульптурой; массивные формы каменных изваяний излучают мощную природную силу. Потолки и стены храмов сплошь расписаны сценами из буддийских легенд. Настенные росписи Аджанты – один из немногих сохранившихся образцов древнеиндийской живописи. Многократно повторяющийся образ Будды полон мягкости и вместе с тем одухотворённой силы.

В 7—12 вв. империя Гуптов распалась на небольшие самостоятельные княжества. В этот период возводились грандиозные храмовые комплексы, посвящённые главным индуистским богам – Брахме, Шиве и Вишну (Бхубанешвар, Кхаджурахо; оба – 10–11 вв.). В 12 в. Индия была завоёвана арабами. С этого времени индийское искусство развивалось в рамках исламской культуры.