Составитель Дмитрий Эдуардович Фуфаев

Перед вами четвёртый выпуск сборника «ФАНТАЗИЯ БЕЗ ГРАНИЦ» – книги, в которой современное искусство раскрывается во всём богатстве своих интонаций, образов и внутренних миров. Это издание объединяет художников, столь непохожих по стилю, пластике, технике и мироощущению, но связанных одной важной общей чертой: стремлением говорить с зрителем искренне, смело и свободно.

Название сборника не случайно. Фантазия здесь понимается не как уход от реальности, а как особая форма её постижения. Именно воображение позволяет художнику увидеть за видимым – скрытое, за внешним – внутреннее, за частным – универсальное. В искусстве нет жёстких границ между сном и памятью, между мифом и повседневностью, между переживанием и образом. Всё это находит своё отражение в произведениях, вошедших в данный выпуск.

На страницах книги встречаются разные художественные миры. Здесь есть лирика акварельного пейзажа и напряжённая энергия экспрессивной живописи, мифологические и символические композиции, психологические портреты, сцены человеческой близости, деревенские мотивы, философские размышления о внутреннем состоянии человека. Одни работы обращены к памяти, корням, культурной традиции. Другие – к личному переживанию, к боли, уязвимости, надежде, любви, свету. Третьи создают самостоятельные пространства воображения, где рождаются новые формы, новые смыслы и новые способы видеть мир.

Особую ценность сборнику придаёт именно это многообразие. В одном издании сосуществуют разные художественные языки, и каждый из них по-своему убедителен. Одни авторы работают в реалистической манере, другие – в декоративной, символической или экспрессивной. Кто-то ищет гармонию в природе, кто-то – в мифе, кто-то – в человеческом лице, а кто-то – в внутреннем надломе и преображении. Но все они создают единое пространство живого искусства, в котором нет случайных тем и второстепенных интонаций.

Этот выпуск – не только собрание произведений, но и своеобразный диалог. Диалог художников между собой. Диалог искусства с культурной памятью. Диалог автора и зрителя. И, возможно, самое важное – диалог человека с самим собой. Потому что подлинное искусство всегда говорит не только о внешнем мире, но и о том, что происходит внутри нас: о наших страхах и мечтах, о памяти и надежде, о хрупкости и силе, о поиске смысла и жажде красоты.

Сборник «ФАНТАЗИЯ БЕЗ ГРАНИЦ. ВЫПУСК 4» адресован всем, кто ценит современное искусство, любит открывать новые имена, всматриваться в художественный образ и чувствовать за ним живую человеческую мысль. Эта книга может стать и каталогом, и путеводителем, и пространством вдохновения – изданием, к которому хочется возвращаться снова, чтобы каждый раз замечать новые детали, новые акценты, новые смыслы.

Пусть это путешествие по страницам книги станет для читателя встречей с искусством без страха перед различием, без предубеждений перед непривычной формой, без стремления всё сразу объяснить. Иногда произведение важно не только понять, но и почувствовать. Именно с этого чувства и начинается настоящее соприкосновение с художественным миром.

Добро пожаловать в пространство, где нет жёстких границ между стилями, эпохами, состояниями и образами. Добро пожаловать в мир фантазии без границ.

Александр Борисович Угланов – российский художник, родившийся в 1960 году в Твери. С ранних лет его окружала творческая среда, что во многом предопределило выбор жизненного пути и будущую связь с искусством. Интерес к художественному образу, к выразительности формы и к духовной стороне творчества сформировался у него ещё в юности и со временем стал основой всей дальнейшей профессиональной деятельности.

После окончания школы Александр Угланов поступил в Тверское художественное училище имени А. Г. Венецианова. Учёба в этом известном учебном заведении стала для него важнейшим этапом становления, дав фундаментальные профессиональные знания и навыки, необходимые для дальнейшей самостоятельной художественной практики. Именно здесь были заложены основы его мастерства, выработано серьёзное отношение к рисунку, композиции и пластике изображения.

По окончании училища Александр Борисович начал работать в рекламной сфере. Этот этап стал полезным с точки зрения практического освоения законов визуального восприятия, композиционной выразительности и умения создавать ёмкий, запоминающийся образ. Работа в рекламе развила у художника точность в построении художественного пространства и внимание к тому, как изображение воздействует на зрителя. Позднее он перешёл в Театр народного творчества, где занимался оформлением спектаклей. Театральная работа дала ему новый опыт – ощущение сценического пространства, декоративности, символической насыщенности образа и взаимодействия художественной формы с драматургией.

Параллельно с основной профессиональной деятельностью Александр Угланов много времени уделял графике. Именно в графических работах особенно ясно проявились его склонность к образному мышлению, интерес к мифологическому и символическому началу, стремление к созданию многослойного художественного мира. Однако со временем художник пришёл к пониманию, что графическому изображению в его внутреннем художественном замысле становится тесно без цвета. Потребность в более полном эмоциональном и символическом выражении подтолкнула его к обращению к живописи. Этот переход стал не просто сменой техники, а важным поворотом всего творческого пути: живопись позволила ему раскрыть собственную образную систему значительно шире и глубже.

Участие в выставках сыграло значительную роль в развитии художника. Выставочная практика стала важным этапом в его биографии, помогла ему укрепить индивидуальную манеру, расширить круг зрителей и утвердиться как самобытному мастеру. Среди выставок, в которых принимал участие Александр Угланов, – выставка в Твери в 1998 году, выставка в Оснабрюке (Германия) в 1999 году, экспозиция в Центральном Доме художника в Москве в 2001 году, выставки в Афинах, Салониках и Верии в Греции в 2004 и 2005 годах. В 2008—2009 годах его работы были представлены в московском Музее имени Константина Васильева, а в 2009 году в Твери состоялась персональная выставка художника. В том же году он участвовал в выставках «Землячества» и «Славянские видения» в Музее Москвы. В 2010 году его творчество было представлено в библиотеке имени Герцена в Твери, в Школе искусств имени Балакирева в Москве и в Новом Манеже. В 2013 году его работы экспонировались в Витебском художественном музее в Беларуси, в 2014 году – в музее «Левша» в Санкт-Петербурге, Волоколамском кремле и на персональной выставке в музее Салтыкова-Щедрина в Твери. В 2015 и 2016 годах он участвовал в проектах в лофте «Этажи» в Санкт-Петербурге, в 2018 году – в галерее «Славное место» в Санкт-Петербурге, в 2022 году – в Музее Константина Васильева в Казани, в 2023 году – в Волоколамском кремле и на презентации картины «Хранительница Мира» в Твери, а в 2025 году – в Центре современного искусства в Чебоксарах.

Творческий путь Александра Борисовича Угланова связан с постоянным внутренним развитием, поиском художественной глубины и стремлением к образам, в которых соединяются пластическая выразительность, духовный смысл и культурная память. Его биография – это путь художника, для которого искусство стало не только профессией, но и формой мировоззрения. Жизнь и творчество мастера продолжают развиваться, а сам он с благодарностью относится к тем возможностям, которые открывались перед ним на протяжении его пути.

Геннадий Константинович Комаров родился 8 ноября 1943 года в деревне Горнево Вачского района Горьковской области. Его детство пришлось на тяжёлые послевоенные годы: отец умер в марте 1945 года, и мать осталась одна с семью детьми, из которых Геннадий был младшим. Эти ранние обстоятельства жизни во многом сформировали его характер, внутреннюю стойкость и особую чуткость к простому человеческому быту, к родной земле и к тем тихим образам природы, которые позднее заняли важное место в его творчестве.

Интерес к рисованию проявился у него с детства. Первым профессиональным наставником художника стал Михаил Григорьевич Копченов, преподаватель изостудии при районном Доме культуры в городе Навашино. Именно он привил Комарову любовь к масляной живописи и первым рекомендовал его этюды на районную выставку. Этот ранний опыт стал для будущего художника важнейшей точкой опоры, подтвердив серьёзность его художественных способностей и укрепив стремление к творческому пути.

После службы в армии Геннадий Константинович работал учителем рисования и черчения в школе, затем художником-оформителем, начальником конструкторского бюро и заместителем главного архитектора крупного оборонного предприятия. Уже в этот период он активно участвовал в городских и областных выставках, а его наставниками были члены Союза художников А. В. Морозов и М. К. Левин. В то время председателем областного Союза художников был Ким Бритов, что также свидетельствует о серьёзной художественной среде, в которой формировался автор.

В 1971 году Комаров окончил Муромский филиал Московского машиностроительного института по специальности «конструирование радиоаппаратуры». Однако стремление к профессиональному художественному образованию не оставляло его. Он отправился в Москву и успешно сдал экзамены в Строгановское училище на отделение живописи, но в приёме ему было отказано по формальным причинам: возраст и уже полученное высшее образование. Позднее он вновь пытался поступить в Строгановку, уже на вечернее отделение дизайна, однако и эта попытка не увенчалась успехом. Несмотря на это, художник не оставил творческого пути и продолжил развиваться самостоятельно.

В Москве его профессиональная судьба сложилась иначе: он оказался связан с системой внутренних дел, где работал инженером, а затем сделал серьёзную карьеру, став офицером и впоследствии начальником одного из главков Министерства внутренних дел. Параллельно с этим он продолжал заниматься искусством. После получения офицерского звания поступил в изокружок при студии имени М. Б. Грекова, где в течение четырёх лет совершенствовал мастерство, работал с натурой, изучал рисунок, гипсы, натюрморты и человеческую фигуру. Не имея возможности получить высшее художественное образование, он избрал путь глубокого самообразования: собирал библиотеку по искусству, изучал различные школы живописи, копировал произведения великих мастеров, писал портреты любимых художников.

Геннадий Константинович принимал участие в выставках разного уровня – от областных и республиканских до всесоюзной выставки в Манеже. Его работы экспонировались в библиотеках, домах культуры, на различных художественных площадках. Он писал пейзажи Химок, так называемую «Куркинскую Швейцарию», а позднее, переехав в Москву, обращался к видам Коломенского и Москвы-реки. Несмотря на напряжённую государственную службу и участие в решении сложных задач, связанных с политическими событиями в стране, мысль о живописи и собственной мастерской оставалась для него главной внутренней опорой.

Выйдя в отставку в звании полковника, Комаров смог в большей степени посвятить себя искусству. Однако и после этого ему пришлось много работать в сфере проектирования и строительства объектов ПАО МТС. Лишь приобретение собственной мастерской открыло новый период более свободного и интенсивного творчества. Этот этап стал временем нового художественного подъёма. В марте 2017 года состоялась его персональная выставка на малой родине – в Муромской православной гимназии имени Ильи Муромца. В октябре 2024 года по просьбе руководства гимназии там же была вновь представлена выставка его работ последнего периода. С 2024 года Геннадий Константинович Комаров является членом Евразийского художественного союза. Он также участвует во многих российских и международных выставках. Помимо живописи, является автором двух изданных книг: «Письмо внуку» (2010) и «Моя любовница» (2019). Награждён правительственными наградами СССР, России и ряда зарубежных государств, имеет звание «Почётный радист СССР».

Татьяна Карсакова, работающая под творческим именем Fleksy, – современный художник-визионер и создатель авторского направления LumiFlux Art, в котором живопись соединяется с философией света, внутренней трансформации и многослойного восприятия мира. Её художественная практика строится на стремлении показать не только внешний образ, но и скрытые энергетические состояния, внутренние процессы и глубинные уровни реальности, которые, по замыслу автора, присутствуют за пределами привычного зрительного опыта.

В основе творческого метода Татьяны Карсаковой лежит многолетний личный путь исследования тонких состояний, внутренней энергии и духовных практик. Этот опыт насчитывает около сорока лет и стал важной частью её мировоззрения, а затем и художественного языка. Для автора живопись является не только визуальным искусством, но и особой формой проводимости: способом передать переживание, энергию, внутреннее знание и состояние трансформации через образ, цвет и свет. Именно поэтому её произведения часто воспринимаются не как статичные картины, а как своеобразные медитативные пространства, раскрывающиеся в процессе созерцания.

Одной из ключевых особенностей творчества Татьяны Карсаковой становится работа со светом как с самостоятельным художественным материалом. Основу её произведений составляют акрил и специальные флуоресцентные пигменты, благодаря которым изображение способно меняться в зависимости от освещения. При дневном или галерейном свете зритель видит одну версию произведения, в ультрафиолетовом свете – другую, а в условиях темноты или послесвечения – ещё один, скрытый слой образа. Такой подход превращает картину в многомерный объект восприятия, где художественная форма существует не в одном состоянии, а в нескольких последовательных проявлениях. Это свойство делает произведения Татьяны Карсаковой особенно узнаваемыми и выделяет их в пространстве современного искусства.

Направление LumiFlux Art, созданное художницей, строится именно на этой идее текучести и изменчивости образа. В нём соединяются живописная пластика, светоносная материальность и философия внутреннего движения. Свет в её работах не просто подчёркивает форму, а становится носителем смысла: он открывает невидимое, проявляет скрытое, переводит переживание из одного состояния в другое. Тем самым художественное произведение становится не только визуальным объектом, но и опытом, который зритель проживает во времени.

Творческий путь Татьяны Карсаковой отмечен участием в общероссийских и международных выставочных проектах. Её произведения получили признание на профессиональных площадках, а сама художница удостоена званий лауреата различных степеней, что подтверждает высокую оценку её авторского метода и художественного языка. Особое значение имеет участие в международных художественных проектах, включая World Art Dubai, где её творчество было представлено в контексте актуального мирового искусства. Это участие подчёркивает универсальность её художественного высказывания и способность говорить со зрителем на языке, понятном за пределами одной культурной среды.

Картины Татьяны Карсаковой обращены к темам сакрального единства, внутреннего пробуждения, боли и исцеления, памяти состояния, личной и духовной трансформации. Каждое произведение становится своеобразным порталом, в котором соединяются визуальный образ, эмоциональный опыт и философская глубина. Её работы не стремятся к иллюстративности или буквальному повествованию: они создают пространство переживания, в котором зритель может не только рассматривать форму, но и чувствовать её внутреннюю вибрацию.

Таким образом, Татьяна Карсакова занимает особое место среди современных художников, работающих на стыке живописи, света и философии восприятия. Её искусство соединяет техническую изобретательность, авторскую систему образов и глубокую внутреннюю мотивацию, превращая каждую работу в самостоятельный опыт созерцания, медитации и внутреннего диалога.

Александра Александровна Старикова – современная художница, родившаяся в 2003 году в Донецке. Её биография с самого начала складывалась в непростых обстоятельствах, что во многом определило глубину и напряжённость её художественного мировосприятия. Уже в детстве она ощущала себя отличной от окружающих, существующей как будто в иной системе чувств и восприятия. Активная, но внутренне отстранённая, она рано погрузилась в мир книг, фантазий и внутренних образов, который постепенно стал для неё не просто убежищем, но и пространством будущего творчества. Общение со сверстниками складывалось трудно, нередко оборачивалось конфликтами и усиливало чувство одиночества. Это ощущение внутренней инаковости стало одной из ключевых линий её личной истории и позднее нашло отражение в художественном языке.

Детство Александры проходило в условиях домашнего воспитания и обучения в частных школах. Её внутренний мир с ранних лет был насыщен яркими и подчас тревожными образами, которые воспринимались ею особенно остро. Воображение, сложные эмоциональные состояния, склонность к глубокому переживанию и одновременно трудность в открытом выражении чувств сформировали тот внутренний опыт, который позднее стал основой её искусства. Уже в подростковом возрасте она столкнулась с тяжёлыми психологическими испытаниями, а также с непростыми отношениями с собственным телом и восприятием себя. Всё это делало её внутреннюю жизнь предельно насыщенной и драматичной.

События 2014 года изменили её судьбу: вместе с матерью Александра переехала в Ригу. Переезд стал не только жизненным переломом, но и важным этапом художественного становления. Именно в Риге её тяга к искусству впервые получила системную форму. Александра обучалась в художественной школе Мары Муижниецы, а также занималась в частной студии Олега Дзюбенко. Эти занятия стали для неё важным профессиональным опытом, позволили почувствовать рисунок, форму, живописную поверхность и научили воспринимать творчество как серьёзный путь, а не только как внутреннюю необходимость. Однако параллельно с этим шёл сложный и болезненный внутренний процесс, который сопровождался тяжёлыми переживаниями, поиском опоры и борьбой за душевное равновесие.

Позднее Александра переехала в Москву. Этот этап жизни был связан с глубоким личным кризисом, но одновременно и с новым поиском себя. Внутренние переживания приобретали всё более масштабный характер, а искусство становилось то недосягаемой мечтой, то единственным способом удержаться в жизни. Особую роль в её судьбе сыграло то, что она сама называет возвращением к самому дорогому – к рисованию. После периода тяжёлого отчуждения от творчества, когда оно казалось неотделимым от боли прошлого, Александра вновь взяла в руки кисть. Этот возврат стал не просто восстановлением утраченного навыка, а настоящим внутренним прорывом. Художница признаёт, что почти поставила крест на своём творчестве, однако именно живопись вновь стала для неё способом говорить о том, что невозможно выразить словами.

Фраза Александры Стариковой «На всех моих картинах – я сама» становится ключом к пониманию её искусства. Её произведения не являются иллюстрацией внешнего мира в привычном смысле. Это предельно личные, эмоционально насыщенные и внутренне честные художественные высказывания, в которых образ становится формой исповеди, сопротивления забвению, попыткой вынести наружу то, что обычно остаётся скрытым. Её живопись строится на напряжённой пластике формы, деформации, экспрессии, внутреннем конфликте, символике уязвимости и боли. В центре её художественного мира – человек, но не как социальный тип или портретная модель, а как носитель предельного внутреннего опыта.

При этом биография художницы – это не только история испытаний, но и история силы. В её жизни были и яркие победы, в том числе периоды внутренней устойчивости, серьёзные спортивные достижения и звание мастера спорта по пауэрлифтингу. Александра увлекалась спортивной стрельбой, что также говорит о большой внутренней собранности и способности преодолевать себя. Эти качества – воля, выдержка, способность к концентрации – находят отражение и в её творчестве, где предельная эмоциональность сочетается с настойчивым стремлением к форме.

Сегодня Александра Старикова продолжает свой путь в искусстве, живёт в поддерживающем и тёплом человеческом окружении и ежедневно ведёт внутренний диалог с холстом. Её художественная практика – это не просто самовыражение, а способ существования, способ удержать и преобразовать внутренний опыт в образ. Живопись для неё становится территорией выживания, памяти, вызова и поиска света. Именно поэтому её произведения воспринимаются так остро: в них заключена не отвлечённая идея, а прожитая реальность, превращённая в мощный художественный жест.

Гаврил Иванович Прибытков (1933—2013) – российский художник, учёный, педагог, исследователь культуры и искусства, родившийся в селе Новиково Бийского района Алтайского края. Его жизненный путь соединил в себе редкое для отечественной культуры сочетание художественного творчества, научной деятельности и подлинного служения просвещению. Он был кандидатом философских наук, профессором, академиком Международной академии наук педагогического образования, лауреатом премий Алтайского края в области науки и техники, членом Союза художников Российской Федерации.

Детство Гаврила Ивановича проходило в непростых условиях. Его родители были простыми школьными работниками: мать занималась тяжёлым хозяйственным трудом, отец, умерший в 1940 году, работал с лошадьми и обеспечивал хозяйственные нужды школы. С ранних лет будущий художник оказался тесно связан с крестьянским и школьным бытом, с живой природой Алтая, с тяжёлым, но цельным укладом жизни. Именно этот ранний опыт, наполненный наблюдением за землёй, трудом, сменой времён года и красотой сельского мира, во многом определил и его человеческий характер, и художественное мировосприятие.

В школьные годы у него рано проявились музыкальные и художественные способности. Уже в детстве окружающие отмечали его слух, голос и тяготение к творчеству. Однако возможность полноценно заниматься рисованием появилась не сразу: в военные годы не хватало самых простых материалов. Тем важнее для него были первые подаренные краски, альбом и карандаши, к которым он относился с большой бережностью. В педагогическом училище судьба свела его с учеником знаменитого алтайского мастера Григория Чорос-Гуркина – одним из первых членов Союза художников СССР в Алтайском крае. Этот педагог на долгие годы стал его главным наставником в постижении изобразительного искусства.

В 1952 году Прибытков окончил Бийское педагогическое училище, а в 1958 году – отделение журналистики Уральского государственного университета. Работал учителем пения и рисования, заведующим отделом культуры газеты «Бийский рабочий», а с 1960 года его жизнь на долгие годы оказалась связана с Бийским государственным педагогическим институтом имени В. М. Шукшина. Здесь он прошёл путь от ассистента и старшего преподавателя до профессора, заведующего кафедрами философии, эстетики, мировой и отечественной культуры, декана факультетов, проректора по учебной работе и ректора института. Как учёный он занимался вопросами эстетики, культуры, искусства и педагогики, стал автором 14 книг и около 150 научных статей. Его имя было включено в энциклопедию «Лучшие люди России».

При всей масштабности научной и педагогической карьеры живопись оставалась его постоянным и глубоко личным призванием. Гаврил Иванович был убеждённым сторонником художественного образования и активным пропагандистом искусства. Он много лет изучал жизнь и творчество Г. И. Чорос-Гуркина, исследовал архивные материалы, писал о художниках Алтая и считал важным сохранять и осмыслять культурное наследие родного края. Одновременно он не прекращал собственную художественную практику, последовательно развивая себя как живописца.

На протяжении десятилетий Прибытков участвовал во всех городских и во многих краевых художественных выставках, начиная с 1959 года. Им было проведено семь персональных выставок в Бийском городском выставочном зале, несколько выставок в Горно-Алтайске, в Государственном музее истории, литературы и культуры Алтая, в музее Алтайского государственного университета и на многих других площадках. За участие во Всесоюзном смотре народного творчества в Москве в 1985 году, посвящённом сорокалетию Победы, он был удостоен звания лауреата. Более шестидесяти его живописных работ находятся в государственных музеях страны, а также в частных галереях и коллекциях в России и за рубежом.

Самой характерной чертой творчества Гаврила Ивановича считается удивительно органичное соединение искренней, почти любительской в лучшем смысле слова любви к природе с высоким уровнем живописного мастерства. Он писал только с натуры, следуя заветам старых мастеров и собственных учителей. Главной темой его искусства стала природа родной земли: улицы Бийска, разливы Бии и Катуни, алтайские дороги, деревушки на берегах тихих рек, меняющееся освещение, переходные состояния природы. Его произведения наполнены радостью созерцания, душевным подъёмом и чувством глубокого единства человека с окружающим миром.

Гаврил Иванович Прибытков ушёл из жизни, оставив после себя значительное художественное, научное и педагогическое наследие. Его биография – пример редкой цельности, когда любовь к знанию, культуре, природе и живописи складывается в единую судьбу, посвящённую служению искусству и просвещению.

Наталья Юрьевна Бурлакова – нанайская мастерица, художник декоративно-прикладного искусства, представительница древнего нанайского рода Самар. Её творчество связано с сохранением и развитием национальных художественных традиций, а сама она известна как автор работ, в которых народная память, этнические мотивы и личный художественный опыт соединяются в цельный и самобытный образный мир. В её творческой практике особое место занимают национальный костюм, вышивка, декоративные панно, предметы быта и произведения, созданные с использованием бересты и других традиционных материалов.

Наталья Юрьевна родилась 14 мая 1979 года в деревне Циммермановка. С этим местом связаны её детство, ранние впечатления и формирование внутренней связи с родной землёй, традицией и культурной средой. До 2008 года она жила в Циммермановке, где сохранялась особая атмосфера преемственности поколений и уважения к национальным обычаям. Именно в таких условиях закладывались её представления о красоте, о значении ручного труда, о ценности предметов, созданных своими руками, и о роли декоративного искусства в жизни народа.

После окончания десяти классов, в 1995 году, Наталья Бурлакова поступила в ПОНС – Подготовительное отделение народов Севера. Этот этап она вспоминает как особенно светлый и значимый в своей жизни. По её словам, обучение в ПОНСе воспринималось как время большой дружбы, сплочённости и поддержки, когда студенты жили как одна семья. Этот опыт стал важным не только в образовательном, но и в человеческом смысле, укрепив чувство общности и внутренней опоры.

С 1996 по 2001 год Наталья Юрьевна обучалась в Дальневосточном государственном медицинском университете. Получение высшего образования стало важным этапом её жизненного становления и свидетельством стремления к профессиональному развитию. Однако её биография не ограничивается одной сферой деятельности. В дальнейшем Наталья Бурлакова прошла большой и во многом необычный профессиональный путь, в котором сочетаются гуманитарные, технические и производственные направления.

С 2001 года более десяти лет она работала в строительной отрасли на линейных должностях. Этот период дал ей большой практический опыт, требовал организованности, дисциплины, ответственности и умения принимать решения. В разные годы Наталья Юрьевна занимала руководящие посты, в том числе работала начальником ОПС и начальником КЭС войсковой части 30593. Позднее, начиная с 2010 года, она продолжила обучение по специальности «Строительство зданий и сооружений», а в 2012 году стала генеральным директором ООО «Строй Проект». Эти этапы биографии показывают её как человека сильного характера, способного реализовывать себя в самых разных профессиональных областях.

С 2016 года Наталья Бурлакова работает в горнорудных компаниях, где занимала должности раздатчика взрывчатых материалов и заведующей складом взрывчатых материалов. В 2021 году она окончила Тихоокеанский государственный университет в Хабаровске по специальности «Горное дело» и получила квалификацию горного инженера по буровзрывным работам. Такой путь особенно примечателен тем, что сочетается с её постоянной преданностью национальному декоративно-прикладному искусству. Творчество в её жизни не вытесняется трудной профессиональной практикой, а, напротив, сосуществует с ней, становясь важной частью внутреннего равновесия и культурного самоопределения.

Как мастерица Наталья Юрьевна работает в разных направлениях декоративно-прикладного искусства. Она шьёт национальную нанайскую мужскую и женскую одежду, вышивает ковры с этническими мотивами, создаёт художественные панно и предметы быта из бересты. Её произведения основаны на уважении к народной традиции и одновременно несут в себе индивидуальную авторскую интонацию. Для неё декоративное искусство – это не только ремесло и не только эстетическая практика, но и способ сохранения культурной памяти, выражения родовой принадлежности и продолжения художественного наследия предков.

В её творчестве важную роль играют близкие и родственники, которые помогают мастерице в создании предметов декоративно-прикладного искусства. Это семейное участие подчёркивает, что для Натальи Бурлаковой искусство существует не изолированно, а в живой среде общения, поддержки и преемственности. Такая связь с семьёй и родом делает её работы особенно значимыми: за ними стоит не только личный труд, но и коллективная память, уважение к традиции, ощущение неразрывности культурной линии.

Биография Натальи Юрьевны Бурлаковой – это пример редкого соединения силы, трудолюбия, профессиональной многогранности и верности художественным истокам. Она принадлежит к числу мастеров, для которых декоративно-прикладное творчество становится формой сохранения национальной идентичности и способом говорить о красоте своего народа через ткань, орнамент, вышивку, фактуру и образ. Её жизненный путь свидетельствует о глубокой внутренней устойчивости, уважении к корням и стремлении продолжать культурную традицию в современном мире.

Екатерина Дерун – современная российская художница, родившаяся в 1966 году в Свердловске, ныне Екатеринбурге. Её творческая биография неразрывно связана с этим городом, его архитектурой, художественной средой и культурной атмосферой. Именно Екатеринбург стал для неё не только местом жизни, но и важнейшим источником визуальных впечатлений, тем и образов, которые в дальнейшем определили характер её искусства.

Художественное образование Екатерина Дерун получила в Свердловском архитектурном институте, ныне Уральском государственном архитектурно-художественном университете. Обучение в этом учебном заведении сыграло важную роль в формировании её художественного мышления. Архитектурная школа дала ей чувство конструкции, точность в работе с формой, внимание к пространству и умение воспринимать изображение как организованную систему линий, плоскостей и ритмов. Эти качества впоследствии стали одной из ключевых особенностей её авторской манеры.

В выставочную жизнь художница вошла достаточно рано. Её первая выставка состоялась в 1987 году и была связана с известным в своё время проектом «Сурикова, 31», который вызвал заметный общественный интерес. Уже этот ранний выход в художественное пространство показал, что перед зрителем автор с ярко выраженным индивидуальным языком и собственным взглядом на современную живопись. Первая персональная выставка Екатерины Дерун состоялась в 1992 году. С тех пор она стала активной участницей художественной жизни Екатеринбурга, приняв участие в нескольких десятках коллективных проектов. Всего на различных площадках города прошло двадцать три её персональные выставки, что свидетельствует о значительном и устойчивом месте художницы в региональном художественном процессе.

Работы Екатерины Дерун находятся в частных коллекциях в России и за рубежом. Этот факт говорит не только о востребованности её живописи, но и о том, что её художественный язык оказывается понятным и убедительным для самых разных зрителей. Интерес к её творчеству проявляют не только профессионалы арт-среды – критики, галеристы, кураторы, – но и постоянные посетители выставок, а также случайные зрители, которые останавливаются перед её картинами благодаря их выразительности, ясности формы и особой внутренней энергии.

Свой стиль Екатерина Дерун определяет как конструкционализм. Это авторское обозначение точно отражает суть её художественного метода. В её работах чувствуется мастерское и в то же время ироничное преломление приёмов русского авангарда 1920-х годов. Её живопись можно также отнести к неокубизму, однако собственное определение художницы позволяет точнее уловить сочетание конструктивного мышления, пластической собранности и современного переосмысления художественной традиции. Для её произведений характерны чёткость линий, ясность композиции и чистота цвета. При этом в них присутствует удивительно тонкая живописность: строгая геометрия форм сочетается с почти акварельной мягкостью лессировок, что придаёт её работам одновременно структурность и воздушность.

Тематический круг творчества Екатерины Дерун достаточно широк. Она работает в жанрах натюрморта, портрета, анималистики, однако особое место в её искусстве занимает городской пейзаж. Именно в изображении архитектуры и городской среды наиболее полно раскрывается её авторский метод. Художницу привлекают как конструктивистские ансамбли Свердловска 1930-х годов, так и самые простые, почти незаметные детали окружающего мира – вплоть до травы и подорожника под ногами. Это сочетание масштабного и камерного, архитектурного и бытового, городского и природного делает её художественный мир особенно живым и многослойным.

Манера исполнения Екатерины Дерун своеобразна и узнаваема с первого взгляда. Её картины строятся на ясной композиционной логике, но при этом не лишены лёгкости, внутренней свободы и тонкой авторской иронии. В них чувствуется уважение к художественной традиции авангарда, но нет стилизации ради стилизации: напротив, художница использует исторический пластический опыт как живой инструмент современного высказывания. Благодаря этому её произведения сохраняют связь с историей искусства и одновременно остаются современными по звучанию.

Сегодня Екатерина Дерун живёт и работает в Екатеринбурге. Её творчество занимает заметное место в культурной жизни города и продолжает развиваться как самостоятельное и цельное художественное явление. Биография художницы – это путь последовательного формирования авторского языка, в котором архитектурное мышление, живописная культура и индивидуальный взгляд на мир соединились в узнаваемый и выразительный стиль.

Елена Николаевна Гордиевская – российский художник-акварелист, родилась и живёт в Москве. Её творческий путь связан с профессиональной художественной школой, вниманием к классическим основам изобразительного искусства и постоянным развитием авторской манеры в области акварельной живописи. Художница окончила Российский государственный художественно-промышленный университет имени С. Г. Строганова, что стало важной основой её профессионального становления и сформировало серьёзное отношение к художественной практике.

Елена Гордиевская является членом Союза акварелистов России, ТСХР, Международного акварельного общества IWS GLOBE и Международной академии современных искусств. Эти профессиональные объединения отражают её активную включённость в современный художественный процесс, участие в выставочной жизни и признание её творчества как в российской, так и в международной художественной среде.

В биографии художницы значительное место занимает выставочная деятельность. Елена Гордиевская – участник и призёр российских и международных выставок и конкурсов. Среди заметных проектов – участие в IV Международной ярмарке современного искусства ArtExpoSPb 2017. В 2018 году её работы были представлены на выставке китайско-российского искусства сотрудничества и обмена в Университете науки и техники Ляонин в Китае. В 2021 году художница участвовала в выставке Первой Профессиональной Онлайн-школы Восточной Живописи и Каллиграфии в Первой Московской Галерее Восточной Живописи. В 2024 году стала участником 5 Международного биеннале современной акварели в Крыму, в Алуште.

Среди профессиональных достижений художницы особое место занимает звание лауреата международного конкурса Art Excellence Awards 2024 в арт-проекте «Мир Видимый и Невидимый», где её произведение «Моя Ариша» было отмечено золотой медалью. В 2025 году работы Елены Гордиевской были представлены во Франции на INTERNATIONAL WATERCOLOR FESTIVAL – CERET FRANCE 2025, где она получила сертификат с отличием. Помимо этих событий, художница принимала участие и во многих других выставочных проектах в России и за рубежом.

Творчество Елены Гордиевской связано с техникой быстрой акварели a la prima, в которой особенно ярко раскрывается её стремление к свободе, спонтанности и живому дыханию цвета. Для художницы акварель – это не просто материал, а активная стихия, способная жить собственной жизнью на листе. В её работах краска свободно растекается, создаёт неожиданные переходы и рождает новые образы, сохраняя при этом ощущение реального мотива – цветка, портрета или пейзажа.

Особенность художественного метода Елены Гордиевской заключается в умении соединять наблюдение за реальностью с поэтическим преображением увиденного. Её произведения сохраняют узнаваемость натуры, но при этом наполняются атмосферой фантазии, лёгкости и внутреннего движения. В акварельных работах художницы важны не только форма и сюжет, но и сам процесс рождения образа – текучего, живого, наполненного воздухом и светом. Благодаря этому её живопись воспринимается как приглашение в мир творчества, где даже самый простой предмет способен раскрыться как нечто удивительное и прекрасное.

Биография Елены Гордиевской – это путь художника, последовательно развивающего своё мастерство, активно участвующего в международной художественной жизни и сохраняющего верность акварели как тончайшему и вместе с тем сложному языку современного искусства. Её творчество соединяет профессиональную школу, свободу акварельной импровизации и стремление увидеть в привычном мире особую красоту, доступную внимательному и чувствующему взгляду.

Текст предоставлен ООО «Литрес».

Прочитайте эту книгу целиком, купив полную легальную версию на Литрес.

Безопасно оплатить книгу можно банковской картой Visa, MasterCard, Maestro, со счета мобильного телефона, с платежного терминала, в салоне МТС или Связной, через PayPal, WebMoney, Яндекс.Деньги, QIWI Кошелек, бонусными картами или другим удобным Вам способом.