Читать книгу Огонь в культуре и искусстве - Вита Хан-Магомедова - Страница 6

Мощная энергетика, которая содержится во французском выражении «Повсюду огонь, повсюду пламя», в некотором роде позволяет показать, какую роль играет этот фундаментальный элемент в творческом процессе. Пламя оставило заметные следы в живописи прошлого и в произведениях художников в ХХ-ХХI столетиях: Ива Кляйна, Армана, Альберто Бурри, Бернара Обертена, Клаудио Пармиджани, Марио Чероли, Чен Женя. Пламя появляется в инсталляциях Кристиана Больтански, Янниса Кунеллиса и Пьера-Паоло Кальцолари.

Огонь, символ творения, раскрывает или разрушает, в зависимости от того, как используется. Французский художник Арман нашёл очень необычную формулу работы с огнём. Он прерывает разрушение с помощью огня перед тем, как предметы, используемые для создания произведений, утратили свою идентичность и выявляет в работе с огнём перевёрнутый образ «критической массы» «Аккумуляций». Затем наступает время, когда наложение того же самого элемента – механизм часов, лампа или цветные карандаши – привело к утрате идентичности, чтобы стать простым элементом группы: стул, музыкальный инструмент.

В западно-европейской живописи огонь часто изображали в виде женщины с головой, охваченной огненным ореолом, с пучком молний в руках. Символом огня является птица Феникс. А персонификацией огня становится римский бог Вулкан с молоточком в руках. У художников появляются произведения с многочисленными атрибутами огня, позволяющими создавать богатые и изощрённые композиции на тему «огонь». Один из самых ярких и блистательных таких художников – нидерландец Ян Брейгель Старший (1565—1625). Несомненно, самой впечатляющей из четырёх его картин, посвящённых элементам Земля, Вода, Огонь и Воздух, является полотно «Аллегория огня» (1608). Поражает свобода воображения, богатство и потрясающее разнообразие творческих решений Яна Брейгеля Старшего в этом произведении. Суть элемента огня главным образом проявляется в огромной сверкающей конфигурации пламени, выступающей как неукротимая сила в природе, пожирающая здание на горе.

Но художник также разрабатывал тему огня через изображение масштабной мастерской, где работники производили разнообразные вещи: оружие, доспехи, стеклянная посуда, кувшины, инструменты, предметы домашнего пользования. Ян Брейгель Старший подчёркивает, что власть огня необходима для создания большого числа предметов.

Очень необычный и оригинальный способ интерпретации темы «огонь в живописи» у одного из самых парадоксальных итальянских художников ХVI века, блистательного маньериста Арчимбольдо (1527—1593), получившего известность своими картинами-портретами, в которых он использовал натюрморты, фрукты и зелень, чтобы воссоздать человеческие фигуры и лица. Самые знаменитые его серии – «Времена года» (Весна, Осень, Зима и Лето), воспроизведённые в форме оригинальных и необычных портретов персонажей с использованием овощей, цветов, растений, фруктов, характерных для соответствующего времени года. Не менее интригующая его серия «Четыре элемента».

Серии «Времена года» и «Четыре элемента» были созданы, когда Арчимбольдо в 36 лет отправился на поиски своей судьбы и нашёл её при дворе императора Родольфо II, затем императора Максимилиана II, в Праге (где находился 25 лет), который предложил ему должность придворного портретиста. Так началась длительная история отношений между Арчимбольдо и Габсбургами. А на родину, в Милан, он вернулся прославленным и имевшим огромный успех художником, где в то время доминировала школа рисунка Леонардо да Винчи, представители которой были страстно увлечены глубоким исследованием, как природы в целом, так и природы человека, причём в её самых монструозных и гротескных аспектах (Леонардо да Винчи был автором блистательных карикатур).

Тревожные метаморфозы, которые можно увидеть в произведениях Иеронима Босха и Питера Брейгеля Старшего, у Арчимбольдо теряют характерный для них пугающий способ живописания, чтобы прославлять чудесное, кошмарное и фантастическое. Как и творения Босха и Брейгеля (в которых большое значение имеют адские, монструозные образы), также и изобретательные произведения Арчимбольдо, обращаются к древним корням и уравновешивают степень загрязнения между растительным миром и миром животных. В отличие от других художников, своих предшественников, Арчимбольдо использует эффект отчуждения от загрязнения не для того, чтобы испугать тех, кто рассматривает картину, не для того, чтобы удивлять и поражать. Важное значение обретает для него чисто научный интерес к дарам природы в сочетании с использованием алхимии и магии. А фантастический элемент в портретах Арчимбольдо привносит печальные и трагические черты в его образы.

«Аллегория огня» Арчимбольдо (1566) представляет собой весьма оригинальный портрет человека, составленный из предметов, имеющих отношение к огню. Так щека и ухо персонажа сформированы из большого куска кремня, шея и подбородок изображены в виде горящей свечи и масляной лампы, нос и ухо оконтурены огненной сталью. Светлые усы образованы из деревянных пучков, имитирующих волосы. Пространство лба напоминает потушенную свечу. А причёска на голове образует корону со светящимися волосами из горящих кусочков брёвен. Грудь сформирована из полученных с помощью огня четырёх пушек. Фигура с Орденом Золотого Руна на золотой цепочке представляет императора Родольфо II в образе правителя. Активно используется геральдическая символика. В картине через различные предметы Арчимбольдо сумел воспроизвести, зафиксировать самые разнообразные типы огня, любых размеров, конфигураций.

Совсем иной смысл элемент огонь обретает у фламандского художника Иоахима Бейкелара, автора 4 картин на тему 4 элементов (1570). Во фламандском искусстве ХVI – XVII веков получила распространение практика соединения символических элементов с отсылками к природному миру. Бейкелар специально изображал соблазнительные предметы, предназначенные для рынка и продукты для приготовления пищи, искусно и изощрённо сочетая их с отсылками к библейским эпизодам. Серия картин «4 элемента» Бейкелара – один из наиболее ранних и удачных примеров слияния этих тем.

На картине «Фейерверк» (1887) нидерландский художник Джеймс Энсор изобразил огромный огненный взрыв, разгорающийся на фоне ярко-синего неба. Работы с изображением огня появились в средний период его творчества, когда он обратился к угрожающим сюжетам, воплощённым в кажущихся простыми композициях. Холст «Фейерверк» поражает интенсивностью цветового звучания и масштабом взрыва на горизонте. Композиция, выполненная в ярких оранжевых, красных тонах, рождает ощущение тревоги, даже предчувствия катастрофы. Прослеживается связь с апокалиптическими пейзажами начала ХIХ века в стиле английского романтизма, подчёркивается связь с творчеством Уильяма Тёрнера, Джона Мартина.

Нидерландский художник Эгберт ван дер Пул специализировался на специфическом подсобном жанре пейзажной живописи: ночной пожар в городе и деревне. В 1650 годы ван дер Пул выполнял заказы в Делфте. Но после гибели сына в 1654 году он обосновался в Роттердаме. Интерес художника к катастрофам проявился в картинах с деревенскими пожарами. Эта тематика используется и в многочисленных живописных работах, выполненных с помощью пороха в его родном городе. В то время существовал живой рынок для сцен такого рода, который, конечно, в ХVII веке отличался от современного рынка, где доминируют произведения в стиле «туризма катастроф».

Работы ван дер Пула воспринимаются как ослепительное зрелище, но контраст между темнотой ночи и светящимся от огненных всполохов морем придаёт таким сценам особую притягательность. Необходимо время, чтобы глаза привыкли к рассмотрению темноты на картине. И совершенно неожиданно можно обнаружить многочисленные детали, которые прежде нельзя было заметить. Как на картине 1658 года, когда вдруг проявляются языки пламени, возникающие на покрытой соломой крыше деревенского дома. Здесь же изображены бесчисленные прохожие, загорающиеся человечки, представленные в виде красных и жёлтых пятнышек, превращающихся в точки. Таким образом ван дер Пул сформировал свой индивидуальный стиль.

Пожар не распространяется слишком быстро: часть крыши всё ещё не затронута огнём, а находящиеся внутри люди пытаются спасти себя и своё имущество. Но беспокойная атмосфера, порождённая огнём, хорошо ощущается у отдельных персонажей, на их лицах ясно прочитывается отчаяние. Именно огненные картины сделали ван дер Пула знаменитым. Он изобрёл специфическую технику с оригинальным использованием цветовых сочетаний и основанную на тщательном наблюдении за реальными пожарами.

Ван дер Пул был не единственным художником, который занимался этим подсобным жанром. Арт ван дер Нир (1603/04—1677), который специализировался на ночных сценах, также создавал картины-«пожары», которые композиционно сильно отличались от блистательной работы ван дер Пула. В то время, как ван дер Нир часто изображал место для пожара за горизонтом, как часть ландшафта, ван дер Пул располагал пожар на первом плане, превращая его в главную тему. Ван дер Пул уделял много внимания деталям, которые делают его сцены такими живыми: люди спасаются бегством или занимаются тушением пожаров. Он также изображал многочисленных животных, типично голландские подстриженные деревья. Ван дер Пул обычно располагал на первом плане маленькое озеро или реку.

Как и ван дер Нир, ван дер Пул предпочитал писать ночные сцены без пожаров, в которых сосредотачивал внимание на чудесной игре лунного света. Такие картины называли «лунными фантазиями». Хотя ван дер Пул живописал также исторические катастрофы, как взрыв боеприпасов в Дельфте, большинство замыслов подобных сюжетов с катастрофами рождались в его голове. Исключение из правил – картина 1662 года с изображением страшного пожара, который произошёл в деревне Де Ридж ночью 6 января 1654 года, когда было уничтожено 800 зданий. Хотя ван дер Пул создавал в основном придуманные «пожарные» пейзажи, «Пожар в деревне» – одна из самых удачных, тщательно разработанных его картин.

Картина «Пожар в Парламенте» (1835) Уильяма Тёрнера обессмертила пожар в центре Лондона 16 октября 1834 года и воспринимается как олицетворение грядущей катастрофы. Красные и оранжевые языки пламени контрастируют с холодной, безучастной синевой неба. На первом плане представлена толпа зрителей, наблюдающих за сценой на другой стороне Темзы, решённая упрощённо, слабо детализированная. Головы людей превращаются в какие-то пузыри. Затем взгляд скользит по реке за дворцом Парламента (в предыдущей оболочке, предшествующей той, в которой мы видим его сегодня). А Вестминстерское аббатство предстаёт в языках пламени. Две сцены объединяет наличие моста, который их связывает. Что касается пропорций, легко заметить, как крошечные фигурки людей сопоставляются с огромным мостом.

Картина «Пожар в Парламенте» Тёрнера демонстрирует революцию в мире живописи. Свет становится не только героем, но и неисчерпаемым источником интенсификации цвета, в то время, как своеобразие художественного решения также отражается в мазках, отнюдь не деликатных, а почти дерзких, как в современных картинах.

Речь идёт о факте из хроники, который становится предлогом для описания одного из самых крайних и опасных аспектов природного мира: огне, который воспламеняется и разгорается до невероятных размеров. Не следует забывать, что Тёрнер, отражая романтический вкус, был страстным почитателем грозы, землетрясений и других подобных явлений. В этой картине два элемента сразу поражают зрителя: цветовые сочетания и пропорции. Сила пламени пожирает и захватывает большую часть холста, в то время как внутри картины каждый фрагмент поверхности отражает свой горячий свет, по контрасту с темнотой реки. Такой приём позволил художнику использовать оригинальную цветовую гамму, которая, однако, в то же самое время становится характерной особенностью картин Тёрнера. Помимо пожара, героем холста является река, которая со своим широким отражением подчёркивает интенсивность цвета и силу пламени.

Франческо Гварди (1712—1793) среди всех венецианских художников проявлял наибольшую склонность к передаче среды, неуловимых атмосферных изменений, лёгкой игры солнечного света, влажного морского воздуха лагун, окрашенного в тончайшие цветовые оттенки и делал это прекрасно, как на картине «Пожар на масляных складах в квартале Сан Марцуола» (1789). Пламя перекинулось на соседние дома со складами, высветило стены и крыши, на которых пожарные героически пытаются сопротивляться огню. Красноватые и золотистые цветовые сочетания словно врезаются в сумеречный колорит. Гварди остро передаёт жар кошмарного пожара, используя динамичные, живые мазки, свободную манеру письма с фиксированием пугающих неравномерных всплесков на стене из пламени. Так художник стремился привлечь внимание к огню, передавая его разрушительную силу и ярость. На первом плане – толпа любопытных.

Огонь, как момент единения и элемент праздничности, сопровождающий фестивали, – тема картины «Упа упа. Огненный танец» Поля Гогена. На первом плане изображены различные, тесно связанные между собой группы персонажей, объединившиеся вокруг костра на пляже. А немного дальше можно видеть почти туземную пляску, как ритуальную благодарность за дар огня. Пляску можно воспринимать как обыкновенный момент весёлых летних каникул. Следовательно огонь представлен как составная часть жизни человека, как основа его творческого развития. Гоген использовал утончённую цветовую гамму и тонко обыграл контраст между горячими и холодными тонами – характерная особенность его творческой манеры.

Упа. Упа – традиционный танец, распространённый на Таити. Эксперты описали его как очень непристойную, зажигательную пляску, участники которой обращаются к сексуально ориентированным движениям. Автор картины «Упа. Упа» Гоген предстаёт как аутсайдер, рассматривающий таитянских танцоров с вуайёристической дистанции.