Читать книгу Sinn in der Kreativität finden - Sean Tucker - Страница 14

Neulich rief ich aus irgendeinem langweiligen verwaltungstechnischen Grund bei meiner Bank an, und gleich zu Beginn des Gesprächs wirkte der Herr am anderen Ende übermäßig gesprächig. Er wollte mich nicht gleich zu der Sache kommen lassen, wegen der ich ihn angerufen hatte, und stellte mir ständig Fragen über das Wetter, die Politik und wie mir das Leben in London so gefalle.

Ich begann, ihn zu bemitleiden. Ich dachte daran, wie langweilig sein Job sein müsse und dass er sich vermutlich ziemlich isoliert fühlt, wie er so den ganzen Tag in einem Büro sitzt und telefoniert. Also beschloss ich, etwas Geduld aufzubringen und ihm Zeit einzuräumen, weil er offensichtlich einfach nur froh war, mit jemandem über etwas anderes als Bankguthaben und Zinssätze sprechen zu können.

Doch während ich mir noch selbst für meinen Langmut und meine Empathie auf die Schulter klopfte, unterbrach er mich plötzlich und sagte: »Danke, Mr. Tucker.«

Plötzlich wurde mir klar, dass er gar nicht mit mir plaudern wollte, sondern nur seinen Job machte. Er hielt mich so lange am Reden, bis sein Computer meine Stimme identifiziert und ihm bestätigt hatte, dass ich derjenige war, für den ich mich ausgab.

So einzigartig sind menschliche Stimmen. Wir haben unseren Computern beigebracht, mich von Ihnen und den Milliarden anderer Menschen auf diesem Planeten zu unterscheiden, indem sie einfach meiner spezifischen Art zu sprechen lauschen. Tatsächlich sind mein Akzent, meine Kadenz, meine Resonanz und meine Intonation so unwiederholbar, dass meine Bank sie gerne als eine Form der positiven Identifizierung verwendet.

Ich finde die menschliche Stimme faszinierend. Wir alle nutzen denselben biologischen Mechanismus, um Luft in unsere Lungen zu saugen. Der Vorgang sieht gleich aus und klingt meist auch gleich, aber in dem Moment, in dem wir die Luft durch unsere Stimmbänder pressen, gibt es plötzlich unendlich viele Varianten der menschlichen Stimme.

Ihre Stimme hat einen einzigartigen Ton und ein einzigartiges Timbre, eine ganz eigene Stimmlage und Resonanz.

Ihr Alter formt im Laufe der Zeit Ihre Stimme.

Ihr biologisches Geschlecht beeinflusst die Tonhöhe Ihrer Stimme.

Ihre Sprache und Ihre Kultur geben die Laute vor, die Ihnen leicht fallen, während Ihre direkte Umgebung den Akzent formt, der Ihre Art und Weise zu sprechen »einrahmt«. Sogar Ihre Persönlichkeit spielt eine Rolle, wenn es um die Lautstärke, das Tempo und die Intensität geht, mit der Sie Ihre Stimme einsetzen.

In gleicher Weise haben Sie eine einzigartige kreative Stimme, die hörbar wird durch die Dinge, die Sie erschaffen. Auch wenn der Weg dorthin lang und chaotisch sein kann, haben Sie im vorigen Kapitel kreativ eingeatmet, und jetzt ist es an der Zeit, herauszufinden, wie diese Stimme klingt.

Lassen Sie mich erzählen, wie ich einen Aspekt meiner eigenen kreativen Stimme entdeckte.

Ich begann mit Streetfotografie zu einer Zeit, als mein normaler Job mich kreativ frustrierte. Ich arbeitete zwar als Fotograf, aber meine Aufgabe war es, von früh bis spät Sofas für einen Online-Shop abzulichten. Ich verbrachte also einen Großteil meiner Zeit in kalten Lagerhallen, um bis zu 50 Sofas pro Tag zu fotografieren, jedes aus genau denselben sechs Winkeln, damit auf der Website alles schön einheitlich aussah.

Meine Arbeit war dabei so von Technik und Wiederholung geprägt, dass ich meine Kamera gar nicht mehr in die Hand nehmen mochte, und das machte mir Sorgen. Ursprünglich hatte ich diesen Weg aus Begeisterung für die Fotografie eingeschlagen, und ich merkte, dass ich auf dem besten Weg war, diese Kunstform ganz aufzugeben, wenn ich nicht etwas Entscheidendes tun würde.

Also beschloss ich, mich neben meinem normalen Job einem einfachen Fotoprojekt zu widmen, um meine Liebe zu diesem Medium aufrechtzuerhalten.

Viel Zeit erübrigen konnte ich nicht, aber dann wurde mir klar, dass ich jeden Tag 30 Minuten zum Bahnhof und zurück lief. Das war insgesamt eine Stunde, in der ich mehr tun könnte, als nur von A nach B zu gehen. Ich nahm mir vor, diese tägliche Strecke zu nutzen, um Fotos von den Dingen zu machen, die ich sah, mit dem Ziel, mindestens ein Bild pro Tag zu machen, mit dem ich zufrieden war.

Ich handhabte diese Übung ganz bewusst möglichst locker. Ich wollte auf »untechnische« und chaotische Weise kreativ sein, indem ich einfach nur reagierte. Ich brauchte einen Ausgleich zu der starren Art und Weise, auf die ich bei meiner täglichen Arbeit Kameras, Licht und Komposition einsetzen musste. Ich entschied mich sogar dafür, mit meiner Handykamera anstelle meiner schicken Arbeitskamera zu fotografieren, weil ich so mehr Spielraum hatte und mich selbst weniger ernst nehmen konnte. Ich machte mir keine Gedanken über die perfekte Belichtung oder den perfekten Bildausschnitt, sondern fotografierte einfach ganz intuitiv beim Gehen. Diese simple kleine Aufgabe bewahrte mich davor, die Kamera ganz aus der Hand zu legen, und führte mich zurück zu den kreativen Möglichkeiten, die die Fotografie bietet.

Es machte mir sogar so viel Spaß, dass ich an den Wochenenden loszog um auszuprobieren, wie weit ich es im altehrwürdigen Genre der Streetfotografie bringen würde. Aber ich sah mich sofort mit einem Problem konfrontiert. Zweimal fragten mich Leute, was ich fotografiere. Sie kannten die gesetzlich verbrieften Freiheiten nicht, die Streetfotografen im Vereinigten Königreich genießen, wurden angriffslustig und sagten, ich dürfe Menschen und Szenen in der Öffentlichkeit nicht fotografieren und dass sie die Polizei rufen würden.

In beiden Fällen gelang es mir, die Situation zu entschärfen. Ich blieb ruhig und freundlich, zeigte den Leuten Websites mit den entsprechenden Gesetzestexten und erklärte ihnen, dass Streetfotografie eine seit Langem bestehende Kunstform und in dieser kleinen Ecke der Welt völlig legal sei. Diese Konfrontationen hinterließen bei mir jedoch einen bitteren Nachgeschmack. Mir wurde klar, dass traditionelle Streetfotografie einen bestimmten Persönlichkeitstyp voraussetzt, und zu mir als introvertiertem Menschen passte sie vielleicht nicht so gut.

Ich erinnere mich vor allem an einen Tag, der mir meine Reserviertheit gegenüber diesem Genre deutlich machte. Ich war mit einem befreundeten Fotografen namens Ondrej unterwegs, und wir kamen gerade aus Soho und Chinatown und beschlossen, zum Trafalgar Square zu gehen. Als wir dort ankamen, bot sich uns ein surrealer Anblick. Der Platz war brechend voll. Sunderland-Fußballfans, viele von ihnen ziemlich betrunken, hatten den gesamten Platz okkupiert und feierten, indem sie Lieder sangen, Fahnen schwenkten, in die Springbrunnen sprangen und Fußbälle in die Luft warfen.

Ich sollte wohl erwähnen, dass Ondrej, wenn er nicht gerade Streetfotografie betreibt, in Kriegsgebiete reist, um dort an der Front zu fotografieren, sodass ihn das Chaos, in das wir gerade geraten waren, nicht im Geringsten abschreckte. Tatsächlich leuchteten seine Augen auf, als wir näher kamen, und in Sekundenschnelle huschte er durch die Menge und machte Aufnahmen von den betrunkenen Feiernden, die sich gegenseitig anrempelten und drängelten, und zum Lohn schoss ihm sogar jemand aus nächster Nähe einen Fußball direkt ins Gesicht.

Ondrej klagte zwar darüber, dass seine Kamera einen heftigen Stoß abbekommen hatte und er seine linke Gesichtshälfte nicht mehr spüren konnte, aber er grinste dabei von einem Ohr zum anderen und konnte einige interessante Bilder vorweisen. Ich hingegen hatte keine Aufnahmen gemacht. Das war auch ganz allein meine Schuld, denn ich hielt mich die ganze Zeit am Rande der Menge auf, beobachtete sie vom Rand aus, weil ich zu eingeschüchtert war, um mich wie Ondrej ins Getümmel zu stürzen. Stattdessen hatte ich versucht, von einem sichereren Punkt aus überzeugende Aufnahmen zu machen, was natürlich nicht klappen konnte.

Sie sehen, ich mag keine Menschenmengen. Als introvertierter Mensch fühlte ich mich in lauten, überfüllten Räumen oder bei Auseinandersetzungen mit Menschen, die nichts vom Fotografieren in der Öffentlichkeit halten, einfach nicht wohl.

Wenn Sie Ihre eigene kreative Stimme finden möchten, ist es wirklich wichtig, auf diese Momente zu achten. Wir suchen oft nach den Augenblicken, in denen wir das Gefühl haben, dass alles zusammenpasst und unsere Arbeit uns glücklich macht. Aber wir müssen auch erkennen, wann wir bei dem Versuch, etwas zu erreichen, gegen unsere Persönlichkeit handeln. Das könnte dann ein Zeichen dafür sein, dass diese Richtung nichts für uns ist oder dass wir über die Grenzen der traditionellen Kunstform, mit der wir uns gerade beschäftigen, hinausgehen und etwas anderes damit machen müssen. Etwas, das uns als Individuum leichter fällt.

Das habe ich dann auch getan. Ich gab die Streetfotografie nicht auf, ich hörte nur einfach auf, die Bilder zu machen, die die Leute von mir erwarteten (so dachte ich). Und ich fing an, die Fotos zu machen, die sich für mich richtig anfühlten. Ich gebe zu, dass der Prozess am Anfang sehr intuitiv verlief. Ich bin einfach meinem Bauchgefühl gefolgt und habe fotografiert, was mich interessierte. Ich merkte, dass ich mich mehr zu den Formen hingezogen fühlte, die durch hartes Licht und Schatten entstanden, als zu den Menschen um mich herum. Die wurden in meinen Bildern immer kleiner und dienten eher als Maßstab, als dass sie das Hauptinteresse meiner Bilder bildeten.

Ein weiterer Grund, der mich zu dieser Art des Fotografierens brachte, war: Sie schließt potenzielle Konflikte aus. Liefe ich wie ein traditioneller Streetfotograf herum, der einzelne Personen fotografiert, würden die Leute zu Recht Fragen stellen, was ich da treibe. Ich hatte jedoch einen Schwerpunkt für meine Bilder gefunden, bei dem ich nicht zuerst nach Menschen suchte, sondern nach interessanten Räumen und Licht. Ich suchte nach einer überzeugenden Komposition und wartete ab, wer oder was dann vorbeikam. Die Leute bemerkten mich zwar noch beim Fotografieren, aber ihre Reaktion war nun eine andere. Wenn sie mich sahen, fragten sie nicht: »Hey, hast du mich gerade fotografiert?« Stattdessen sagten sie: »Es tut mir so leid, dass ich Ihnen durchs Bild gelaufen bin«, nur weil ich vor ihnen da war. Ich hatte einen Weg gefunden, die Konfrontation gegen eine Entschuldigung einzutauschen, die ich einfach mit einem jovialen »Schon ok, ich habe nur auf Sie gewartet« abtun konnte, worauf die Leute kicherten und ihres Weges gingen.

Je mehr ich fotografierte und auf meine Intuition hörte, desto mehr kristallisierte sich ein lockerer Stil heraus. Ich spielte mit hohen Kontrasten, belichtete auf die Lichter und ließ die Schatten in meinen Bildern ins Schwarze fallen. Ich spielte mit den Formen, die durch das Zusammentreffen von Sonnenlicht und Architektur entstehen, und ich positionierte die Menschen in meinen Aufnahmen oft so, dass ihre Gesichter im Schatten lagen. Meine visuelle Stimme gewann mit jedem Klick des Auslösers an Gestalt.

Das hier war keine traditionelle Streetfotografie.

Sie war nicht vergleichbar mit den New Yorker Streettableaus von Joel Meyerowitz.

Sie ähnelte nicht den in grelles Blitzlicht getauchten Street-porträts von Bruce Gilden.

Sie hatte keine Ähnlichkeit mit Fred Herzogs sorgfältigen visuellen Studien im Vancouver der 50er-Jahre.

Streetfotografen können ein versnobter Haufen sein. Ich bekam schon früh zu hören, dass ich mich zu weit von der Tradition entfernt hätte, um diese abstraktere Arbeit legitimerweise als »Streetfotografie« bezeichnen zu können. Denn obwohl ich auf der Straße fotografiert hatte, passte das Thema irgendwie nicht in die Definition des Genres.

Ein Teil von mir fragte sich, ob ich zu weit vom Weg abgekommen und selbstgefällig geworden war. Hatte mich mein Bauchgefühl in die Irre geführt?

Aber dann erlaubte mir die Arbeit zweier Künstler, weiter in die angestrebte Richtung zu gehen. Leider werde ich sie nie kennenlernen, denn sie sind bereits tot. Der erste war Fan Ho. Ich hatte noch nie von ihm gehört, bis ich meine Arbeit im Internet zu teilen begann und einige Leute sagten, dass meine Bilder sie an die Fan Hos erinnerten. Also habe ich ihn nachgeschlagen.

Fan Ho war ein chinesischer Fotograf und Filmemacher und ist in Fotografenkreisen wahrscheinlich am bekanntesten für seine Streetfotografie im Hongkong der 50er- und 60er-Jahre. Als ich zum ersten Mal online nach ihm suchte, um herauszufinden, über wen alle reden, war ich sofort von seiner Arbeit beeindruckt. Seine Fotografie war offensichtlich viel raffinierter als meine, aber ich spürte, dass ich mit seinen Arbeiten vertraut war. Außerdem liebte er es, in seinen Bildern mit hartem Licht zu spielen, und seine Motive standen oft im Gegenlicht und blieben so anonym.

Es war ein echter Trost zu wissen, dass jemand anderes bereits den Weg beschritten hatte, auf dem ich mich befand: die Suche nach Formen in Licht und Schatten und der Einsatz von Menschen als Kontext, anstatt sie zum identifizierbaren Thema des Bildes zu machen. Seine Arbeit gestattete mir, fortzufahren. Sie zeigte mir, dass ich nicht übergeschnappt oder vom Weg abgekommen war. Tatsächlich war das, was ich tat, nicht einmal neu, und das war eine Entdeckung, die mir ein gesundes Gefühl von Demut verschaffte. Wir alle stehen auf den Schultern von Riesen, und meine Aufgabe war es nun, weiter zu forschen und meine eigene Stimme in dieser bewährten Richtung herauszuarbeiten.

Der zweite Künstler war Edward Hopper. Sein Namen tauchte ebenfalls immer wieder in den Kommentaren zu meinen Bildern auf, also war es an der Zeit, dass ich mich mit seiner Arbeit bekannt machte. Ich fand heraus, dass Hopper ein amerikanischer realistischer, vor allem für seine Ölgemälde bekannter Maler war. Er versuchte, das städtische Leben der 50er-Jahre abzubilden und tat dies in seinem eigenen, unnachahmlichen Stil.

Auch er liebte es, hartes Licht und harte Schatten in seinen Werken wiederzugeben, und er malte oft eine einsame Figur umgeben von viel Raum.

Eine einzelne Person an einem Tisch in einem Café, die nachdenklich in ihre Tasse Tee starrt.

Ein Geschäftsmann, der allein an seinem Schreibtisch sitzend aus dem Bürofenster schaut, in stille Träumerei versunken.

Eine Platzanweiserin im Seitengang eines Kinos, in Gedanken versunken, während im Hintergrund ein Film läuft.

Aber wenn man schon Stadtleben malt, dann sollte man doch auch Menschenmassen und das hektische Treiben der Großstadt zeigen, oder? Warum also hatte sich Hopper dafür entschieden, isolierte Menschen zu zeigen, die sich sehr allein und abgeschnitten fühlen? Wollte er eine Aussage darüber treffen, wie sich viele von uns in solchen Situationen fühlen?

Zusätzlich zu seinem mir vertrauten Einsatz von Licht half mir sein Blick auf isolierte Personen zu erkennen, worauf ich mich intuitiv zubewegt hatte, denn viele meiner Bilder zeigten ebenfalls einzelne Personen allein in der Stadt.

Manchmal, wenn wir etwas erschaffen, sind uns unsere Richtung und unsere Absicht dabei klar. Die übrige Zeit jedoch verlassen wir uns auf unser Bauchgefühl und müssen herausfinden, was wir tun, während wir es tun. Wie ich im vorigen Kapitel angedeutet habe, kann uns das Einatmen der Werke anderer Künstler dabei helfen, unsere eigene Stimme zu entdecken. In meinem Fall halfen Ho und Hopper posthum einem strauchelnden Fotografen dabei, herauszufinden, was er bereits zu sagen versuchte, indem er auf das Logos in ihren Werken reagierte und sich mit der einzigartigen Art und Weise verband, wie sie die Welt sahen und einfingen.

Als ich mir Fan Hos Einsatz von Komposition und Schatten und Hoppers wiederholte Erkundung isolierter Motive im städtischen Raum ansah, wurde mir plötzlich klar, was ich auf meine eigene Weise zu sagen versucht hatte.

Ich lebe in einer der lebhaftesten Städte der Welt, und mit der Hektik des Stadtlebens konnte ich mich noch nie anfreunden. Als gebürtiger Brite, der in Afrika aufgewachsen war, fühlte ich mich nach meiner Rückkehr vor einigen Jahren in kultureller Hinsicht nicht zu Hause. Es gab definitiv eine Anpassungsphase.

Die meisten britischen Männer in meinem Alter verbringen ihre Zeit lieber in überfüllten Pubs und streiten über ihre Fußballmannschaften, aber mir ist Sport völlig egal, ich bin kein großer Trinker, und ich mag keine lauten Räume, in denen man sich gegenseitig anschreien muss, um gehört zu werden. Ich bevorzuge ein ruhiges Café und ein Gespräch unter vier Augen.

Ich sitze immer am Tisch in der ruhigsten Ecke.

Ich liebe leere Parks.

Ich plane meinen Weg so, dass ich die belebten Durchgangsstraßen meide und stattdessen die weniger vollen Straßen nehme.

Ich genieße es, eine Viertelstunde in einer leeren Kirche zu sitzen, wenn ich ein wenig Zeit totschlagen muss.

Ich sitze gern auf einer Bank auf einem Hügel über dem Lärm der Stadt.

Dort finden Sie mich.

So ein Typ bin ich.

Das bedeutet, dass ich oft allein unterwegs bin, Menschenmassen vom Rand aus beobachte und mich dann und wann in meinem Leben allein und außen vor fühlte.

Aber mit der Zeit habe ich mich mit diesem Teil von mir angefreundet. Und anstatt ihn als eine Art Fehler zu betrachten, habe ich gelernt, es zu mögen, dass ich so veranlagt bin. Und dieser Mensch ist es, den ich in den Fotografien Fan Hos und in den Gemälden Hoppers sah. Ihre Arbeiten waren ein Spiegel für mich, und das wiederum half mir über meine eigene Arbeit nachzudenken. Meine Kamera war zu einer Art Therapie geworden, zu einem Werkzeug der Selbstentdeckung. Dieser ruhigere Aspekt meiner Persönlichkeit hatte dazu geführt, dass ich mich in meinen Bildern zu isolierten Motiven hingezogen fühle, zu einsamen Menschen, die sich durch Licht und Schatten in den Räumen der Großstadt bewegen. Ich sehe sie, weil ich mich in ihnen wiedererkenne.

Vielleicht auch mehr als das. Vielleicht habe ich mein eigenes Gefühl der Isolation fotografiert, weil ich mich inmitten der Stadt doch fernab von allem fühlte.

Jemand, der beobachtet.

Jemand, der zusieht.

Jemand, der sich allein am Rande des Geschehens bewegt.

Eine einzelne Figur im Grenzbereich zwischen Licht und Schatten.

In einem ganz realen Sinne half mir das Fotografieren der Motive, zu denen ich mich hingezogen fühlte, zusammen mit der Entdeckung von Ho und Hopper und einer gewissen Selbsterkenntnis, zu verstehen, dass ich eigentlich Bilder von mir selbst machte. Ich setzte meine kreative Stimme ein, um Bilder zu schaffen, die meine eigenen Erfahrungen mit dem Leben in der Stadt, in der ich lebe, widerspiegeln. Allein der Akt des Schaffens dieser Bilder gibt mir ein Gefühl von Ordnung im Chaos des Lebens in London, und indem ich diesen Logos anderen anbiete, hoffe ich, den Menschen, die das Leben in der Großstadt auf die gleiche Weise erleben wie ich, etwas Anerkennung und Trost zu spenden.

Ich bin nicht so naiv anzunehmen, dass jeder dies aus meinen Bildern liest. Schließlich habe ich selbst Jahre gebraucht, um das zu erkennen. Die meisten erfreuen sich einfach an der Ästhetik. Aber diejenigen, die bereit sind, ein wenig tiefer zu graben, könnten die Wahrheit erkennen, die ich mit ihnen teile.

Ich glaube nämlich, dass unsere einzigartigen kreativen Stimmen erst aus der Mischung all dieser Dinge entstehen. Künstler machen vor allem zu Beginn häufig den Fehler, zu denken, dass der individuelle Stil oder die kreative Stimme von der gewählten Technik oder den Werkzeugen abhängt. Wir müssen vermeiden, zu viel Zeit mit diesen Überlegungen zu verschwenden, und uns auf unserer kreativen Reise so früh wie möglich mit den größeren Fragen befassen. Andernfalls besteht die Gefahr, dass wir uns in Nebenschauplätzen verlieren. Ob Hopper nun mit Öl-, Aquarell- oder Acrylfarben gemalt hätte, seine Bilder hätten immer noch wie seine eigenen ausgesehen. Sie hätten seine einzigartige visuelle Handschrift und seine Botschaft getragen, ganz gleich, für welche Technik er sich entschieden hätte.

Egal, ob Ho sich für eine Leica oder eine Voigtländer, eine Kleinbild- oder eine Mittelformatkamera entschieden hätte, seine Bilder hätten immer noch wie die seinen ausgesehen, denn eine kreative Stimme entsteht nicht aus Werkzeugen und Techniken.

Das ist harte innere Arbeit, die man nicht in einem Fotogeschäft kaufen oder in einem Online-Tutorial erlernen kann.

Wie also entdeckt man seine eigene kreative Stimme?

Ehrlich gesagt glaube ich nicht, dass es den einen sauberen Weg dorthin gibt, aber ich kann Ihnen einige praktische Vorschläge geben, die für mich funktioniert haben.

Der erste ist, viel zu erschaffen. Dieser Schritt ist alternativlos. Faulheit oder, was wahrscheinlicher ist, Versagensängste können dazu führen, dass wir auf unserem Sofa kleben und darauf hoffen, dass unser kreativer Geist irgendwann mit einer voll ausgebildeten Ästhetik um die Ecke kommt, die wir vom ersten Tag an fehlerfrei umsetzen. Tief in unserem Inneren wissen wir, dass das so nicht funktioniert. Wir können unsere kreative Stimme nur entdecken, indem wir etwas erschaffen – und zwar viel.

Obwohl ich nur ein paar Seiten brauchte, um Ihnen diesen Weg zu zeigen, hat es fünf Jahre, Hunderte von Stunden und Zehntausende von Bildern gebraucht, bis ich meine kreative Stimme gefunden hatte, und selbst heute ist sie mir noch lange nicht klar. Ich gehe davon aus, dass ich noch viele weitere Bilder machen muss, bevor ich wirklich das Gefühl habe, dass ich meine kreative Stimme in diesem Bereich gefunden habe. Alles, was ich im Moment habe, ist eine unklare Richtung und ein langer Weg, der noch vor mir liegt, und für den Moment reicht mir das.

Nicht umsonst wird Henri Cartier-Bresson mit dem berühmten Satz zitiert: »Die ersten 10.000 Fotos sind die schlechtesten.« Was er uns sagen will: Wenn wir uns weiterentwickeln wollen, müssen wir Stunde um Stunde das tun, was wir lieben. Und möglicherweise müssen wir es auch mal schlecht tun, um herauszufinden, was wir zu sagen haben und wie wir es sagen wollen. Es gibt keine Abkürzung.

Nichts davon ist Zeitverschwendung. Denn machen wir uns nichts vor: Es kann wirklich frustrierend sein, weil wir uns oft kompetenter fühlen, als wir sind, und die Tage, an denen nichts zu funktionieren scheint, verleiten uns dazu, ganz aufzugeben. Aber selbst wenn wir das Gefühl haben, dass wir nur Mist bauen und nicht weiterkommen, lernen wir doch auch, wie unsere Stimme eben nicht klingt, und das ist ebenfalls ein Bestandteil des Prozesses. Vielleicht finden wir heraus, welche Dinge wir nicht sagen wollen, oder welche Dinge wir nur machen, weil wir glauben, dass andere Menschen sie von uns erwarten. Das ist genauso wichtig wie die Tage, an denen wir unsere kreative Stimme erkennen und annehmen. Ich würde sogar so weit gehen zu sagen, dass diese großen Tage erst durch die 100 frustrierenden Tage möglich sind, in denen wir im Vorfeld experimentiert haben.

Der zweite Vorschlag ist, auf Ihr Bauchgefühl zu hören. Die Intuition ist ein besserer Ratgeber als der rationale Verstand. Deshalb ging es im vorigen Kapitel darum, wie wichtig es ist, Ihrem Unterbewusstsein Raum zum Arbeiten zu geben. Nutzen Sie Ihren Instinkt, um zwischen dem zu unterscheiden, zu dem Sie sich hingezogen fühlen, und dem, was nicht zu Ihnen passt. Lernen Sie, sich den Erwartungen anderer zu entziehen und Ihren Instinkten zu folgen, auch wenn Sie nicht sicher sind, wohin Sie das führt, auch wenn es Ihre Arbeit eine Zeit lang auf den Kopf stellt. Wenn es in Ihrer Arbeit etwas Neues zu entdecken gibt, können Sie das nur erreichen, indem Sie Ihrem inneren Instinkt folgen. Sie müssen niemandem zeigen, was Sie tun, wenn Sie mit Ihrer Arbeit noch nicht zufrieden sind, aber Sie müssen sich die Erlaubnis geben, zu erforschen, wohin Ihr Bauchgefühl Sie führt, auch wenn Sie es noch nicht verstehen. Das Verstehen kommt oft erst später. Fürs Erste trauen Sie Ihrem Bauchgefühl.

Drittens: Schauen Sie sich die Arbeiten anderer Künstler an und finden Sie heraus, was sie untereinander verbindet. Wie schon erwähnt, muss deren Werk nicht direkt mit Ihrer Arbeit zu tun haben. Es kann Fotografie oder Film, Poesie oder Musik, Malerei oder Schriftstellerei sein, aber es ist wichtig, auf die Arbeit zu achten, die Sie in jedem Genre anspricht, und sich dann zu fragen, warum das so ist.

Was ist es, das Sie an der einzigartigen Stimme dieser Künstler anspricht?

Sprechen sie über Dinge, die Ihnen am Herzen liegen?

Bestätigen sie in irgendeiner Weise Ihre eigene Weltanschauung, und wie können Sie diese Bestätigung auf Ihre eigene Arbeit übertragen?

Für mich waren Ho und Hopper zwei Kollegen, Fotograf bzw. Maler, ihre Arbeit erschloss mir einen Teil meiner kreativen Stimme. Sie hatten diesen Weg bereits auf ihre Weise bereitet, und ich war dankbar, dass sie mir vorausgegangen waren, denn nun war es leichter für mich, ihnen zu folgen.

Der Punkt ist dabei nicht, die Stimme anderer Künstler zu kopieren. Wir alle fangen damit an, unseren Helden zu folgen und zu versuchen, ihre Arbeit zu kopieren. So lernen wir am Anfang. Aber wir erweisen uns selbst nur einen Bärendienst, wenn wir zu lange in diesem kreativen Sandkastenstadium bleiben. Wenn wir das tun, laufen wir Gefahr, nicht mehr als ein schwaches Echo dessen zu sein, was jemand anderes erreicht hat, anstatt etwas für uns selbst zu erreichen. Es ist nichts Falsches daran, wenn Sie sich anfangs an der Arbeit Ihrer Helden orientieren und sogar zulassen, dass deren Stimme in Ihnen nachhallt, bis Ihre eigene Stimme zum Vorschein kommt. Aber denken Sie daran, dass das Ziel immer darin besteht, Ihre eigene einzigartige Stimme zu entdecken. Ich hoffe also für Sie, dass Sie so schnell wie möglich von der Nachahmung zur Innovation übergehen.

Wichtiger als alle obigen Vorschläge ist jedoch, dass Sie sich selbst kennenlernen. Dieser authentische Raum in jedem von uns ist der Ursprung aller guten Kunst. Ich weiß, das Wort »authentisch« wird heutzutage überstrapaziert, aber kein Synonym kann diese Mischung aus »ehrlich«, »echt« und »persönlich« annähernd gut beschreiben.

Wir fühlen uns zu dem hingezogen, was wir als echt empfinden, was ohne Kunstgriff erschaffen und uns in aller Verletzlichkeit dargeboten wird. Ein einzelnes Werk eines beliebigen Künstlers mag uns beeindrucken, aber wir folgen denjenigen Künstlern in die Zukunft, die uns ein wenig von sich selbst gegeben haben.

Es sind die Songwriter, die ein Stück ihrer Seele preisgeben, in die wir uns verlieben.

Es sind die Autoren, die ihre Geschichten mit unerschrockener Offenheit erzählen, von denen wir sagen: »Ich lese alles, was sie schreiben.«

Es sind die Filmemacher, die in ihren Geschichten ihr eigenes Leben und ihre Erfahrungen widerspiegeln, die wir hochhalten, wie z. B. Quentin Tarantino und seine visuellen Referenzen an das alte Kino, das er liebt. Die Leidenschaft, die er ausstrahlt, ist echt und persönlich, und wir können sie beim Zuschauen spüren.

Wenn wir merken, dass ein Künstler etwas macht, um die Wahrheit so zu vermitteln, wie er sie sieht, und sich dabei nicht verstellt, um die Massen zu beeindrucken, dann ist es diese Verletzlichkeit, die uns in ihren Bann zieht. Aber dazu muss er sich selbst gut kennen und vielleicht sogar ein bisschen mögen, mit all seinen Fehlern. Vielleicht ist das der Grund, warum uns diese Art von Arbeit so fesselt, weil wir den Menschen dahinter in seiner Offenheit und Ehrlichkeit so inspirierend finden. Wir wünschen uns das für uns selbst, und wir wissen, dass es ein harter Weg ist, diese Ebene der persönlichen Entwicklung und Akzeptanz zu erreichen.

Im Kapitel über Logos habe ich Ihnen von einer Reihe von Porträts erzählt, die ich von meinen Mentoren gemacht habe. Aber es hat lange gedauert, bis ich bereit war, über diese Bilder und die Geschichte dahinter zu sprechen.

Ich habe im Laufe der Jahre viele Therapiestunden genommen. Ich begann damit, als ich Psychologie studierte und man uns sagte, dass jeder gute Psychologe selbst regelmäßig in Therapie sei. Auch wenn ich nie als Psychologe gearbeitet habe, habe ich mir diesen Rat zu Herzen genommen und wann immer ich es mir leisten konnte – unabhängig davon, ob ich mich in einer Krise befand –, habe ich mir einige Sitzungen gegönnt. Ich glaube, es hilft uns allen, mit jemandem zusammenzusitzen, der uns objektiv einen Spiegel vorhalten kann.

Wenn diese Leute ihren Job gut machen, können sie uns die Notlügen aufzeigen, die wir uns selbst auftischen, und uns helfen, unsere blinden Flecken zu erkennen.

Ich erinnere mich, dass ich vor Jahren mit einer Therapeutin darüber sprach, wie schwer ich es in meinem Job hatte. Ich hatte kein gutes Verhältnis zu meinem Chef und empfand ihn als sehr einschüchternd. Wenn ich ehrlich bin, fand ich alle älteren Männer furchteinflößend und hatte sogar Schwierigkeiten, ihnen beim Gespräch in die Augen zu sehen. Wie Therapeuten es zu tun pflegen, fing meine an zu bohren, und wir kamen auf meine Vergangenheit zu sprechen und darauf, dass mein Vater meine Mutter und mich verlassen hatte, als ich vier Jahre alt war. Sie drehte sich zu mir um und sagte: »Sie müssen ein bisschen freundlicher zu sich selbst sein. Sie sind ohne männliche Autoritätsperson in ihrem Leben aufgewachsen, und deshalb sind ältere Männer ihnen fremd und machen ihnen Angst. Sie müssen sich erst einmal bewusst machen, welche Lücke ihr Vater hinterlassen hat, und dann mit dieser neuen Erkenntnis und dem Verständnis, dass ältere Männer auch nur Menschen sind, herausfinden, wie sie gesunde Beziehungen zu den männlichen Autoritätspersonen in ihrem Leben aufbauen können.«

Ohne diese Erkenntnis hätte ich keine männlichen Mentoren in meinem Leben gehabt, denn es wäre mir nicht gelungen, sie zu akzeptieren. Es wäre mir sicherlich weder in den Sinn gekommen, Porträts dieser so wertvollen Männer zu machen, noch die Geschichte dahinter zu erzählen, wenn ich nicht zu meiner Geschichte und meinen Problemen hätte stehen können. Ich musste allen Beteiligten vergeben, auch mir selbst, bevor ich überhaupt anfangen konnte, darüber zu sprechen oder etwas zu erschaffen.

Wir müssen uns erst einmal selbst kennenlernen.

Von den biografischen Details meiner Geburt, Erziehung und Karriere in der Kirche habe ich bereits erzählt, auch von einigen der Auswirkungen, die diese Erfahrungen auf den Menschen hatten, der ich heute bin. Nach dem Enneagramm-Persönlichkeitstest bin ich ein Typ 1 mit einer Tendenz zu Typ 2 und ein INFJ im Myers-Briggs-Typenindikator. Das bedeutet, dass ich ein introvertierter Mensch bin, der Wahrheit und Ehrlichkeit über alles schätzt. Das kann dazu führen, dass ich die Dinge schwarz-weiß sehe, was sich für diejenigen, die mit mir zu tun haben, etwas rigoros anfühlen kann. Ich muss mir dessen bewusst sein, wenn es sich in dem manifestiert, was ich erschaffe.

Ich bin kreativ, einfühlsam und inspirierend, aber ich kann auch übermäßig sensibel sein und bin ein brutaler Perfektionist. Im Grunde meines Herzens bin ich ein Idealist und glaube an das Beste im Menschen. Aber das bedeutet auch, dass ich manchmal zu viel von den Menschen erwarte und an manchen Tagen leide ich sehr an der Welt.

So bin ich nun einmal und so bin ich veranlagt. Alles, was ich mache, kommt aus mir. Meine kreative Stimme entspringt meiner Persönlichkeit, meiner Erziehung, den Dingen, die ich gesehen habe, meiner Geschichte und der Weltanschauung, die mir das alles vermittelt hat. Meine Aufgabe ist es, Dinge zu erschaffen, von meiner Geschichte ausgehend, mit meiner einzigartigen kreativen Stimme, unter Einsatz meiner Kamera, meines Stifts oder meiner gesprochenen Worte. Das Ziel ist dabei, die Wahrheit so zu sprechen, wie ich sie in meinem Leben erfahren habe, mit meinem kreativen Akzent, meiner Intonation, meiner Resonanz und meiner Aussprache. All das ist der Grund, warum das Einatmen so wichtig ist. Denn in dem so entstehenden Raum lernen wir, wer wir sind, und lassen die Dinge, die wir gesehen und erlebt haben, in das einfließen, was wir erschaffen.

Fragen Sie sich also:

Wer sind Sie?

Was ist Ihnen wichtig?

Wie lautet Ihre Geschichte und wie hat diese die Art und Weise geprägt, wie Sie die Welt sehen?

Was möchten Sie der Welt mitteilen, und wie können Sie diese Botschaft in Ihre kreative Arbeit einfließen lassen? Es ist nichts Verwerfliches am Versuch, Ihre »Ästhetik« oder Ihren »Stil« herauszufinden, aber selbst diese Entscheidung sollte von der wichtigeren Aufgabe beeinflusst werden, zu erfahren, wer Sie sind und was Sie zu sagen haben. Wenn Sie etwas Authentisches erschaffen wollen, dann sollte das, aus Ihnen selbst heraus entstehen.

Ob Sie nun Fotograf, Schriftsteller, Sänger oder Bildhauer sind, wir unterstützen Sie bei der Anstrengung, Ihre einzigartige kreative Stimme zu entwickeln, denn wir wissen, wie viel aussagekräftiger Ihre Arbeit sein wird, wenn sie von dort kommt.

Wir möchten, dass Ihr Werk ohne Scham den Einfluss jener zeigt, die vor Ihnen da waren, aber Sie sollen Ihre eigene Methode und Botschaft entwickeln. Wir möchten, dass Ihre kreative Stimme aus Ihrer Geschichte geboren wird und Ihre Weltsicht vermittelt. Denn die Chancen stehen gut, dass die Dinge, die Sie gesehen haben und mit uns teilen wollen, uns das Gefühl geben, weniger allein zu sein.

Wir wollen, dass Ihre Arbeit Ihre Persönlichkeit widerspiegelt, denn das ist die beste Chance darauf, der Welt etwas zu zeigen, was sie noch nie gesehen oder gehört hat. Sie müssen diese mühsame innere Arbeit leisten und herausfinden, wer Sie wirklich sind, damit Sie die kreativen Fähigkeiten, die Sie entwickelt haben, für etwas wirklich Bedeutsames einsetzen können – für uns alle.

Kurz gesagt: In den Dingen, die Sie schaffen, müssen Sie Sie selbst sein.

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